С точки зрения художника живописный пейзаж должен

Сегодня пейзаж — один из более распространённых жанров станковой живописи и графики. Пейзажем называют и само произведение, исполненное художником в этом жанре.

Пейзаж — это жанр в изобразительном искусстве, отражение естественной или преображённой человеком природы, окружающей среды, всего богатства растительных, небесных и водных просторов.

Как самостоятельное явление, пейзаж получил наиболее широкое распространение в двух видах изобразительного искусства: живописи и графике.

Творческой работе над пейзажем сопутствуют композиционные поиски, и писание множества этюдов. Нельзя превратить картину в какой-либо этюд с натуры: редко естественный этюд может соответствовать замыслу. Художник постепенно находит отвечающие задуманному образу и формы главных объектов пейзажа, и состояние колорита.

Работа над композицией имеет много общего с работой и в других жанрах живописи. Как там, так и здесь происходит выбор темы, сюжета, поиск наилучшей точки зрения, определения формата и размер холста, находят соотношения и взаимосвязи частей, выделяется главное, достигается целость и единство изображения. Законы композиционного построения распространяются на пейзаж.

Основными законами композиции следует назвать такие: закон контрастов, закон типизации, закон цельности закон подчиненности всех средств композиции идейному замыслу.

Один из основных законов композиции — закон контрастов. Контрасты являются воздействующей силой композиции и определяют ее выразительность. Значение контрастов как сочетания противоположного велико. Человек воспринимает окружающие его предметы по контрасту их силуэтов и окружающей среды, форму предмета воспринимает благодаря контрасту света и тени. Знакомые фигуры, предметы мы узнаем с большого расстояния по силуэту, который имеет большое значение в искусстве. Полное отсутствие светотени, создает плоскость. Композиция строится на контрасте теплых и холодных цветов. Сила цвета увеличивается от сочетания его с контрастным (дополнительным) цветом. Существенную роль в композиции играют контрасты величин (большого и малого) и контрасты в построении сюжета. Таким образом, роль контрастов в композиции универсальна, они имеют отношения ко всем элементам композиции, начиная с характера конструктивной идеи и кончая построением сюжета.

Закон типизации характеризуется тремя основными чертами. Следовательно, первоосновой закона является создание художественного образа, в котором через характерное передается типическое, через единичное — общее. Первая черта — типичность характеров и типичность обстоятельств, в которых развивается действие в композиции.

Второй чертой закона типизации принято считать передачу в произведении искусства ощущение движения, развития действия во времени.

Третьей чертой закона типизации является новизна.

Реалистическое искусство не просто отражает действительность. Оно олицетворяет эстетическое открытие мира художником, восторг мастера перед удивительным в обыденной жизни.

Главная черта закона цельности — неделимость композиции — означает невозможность воспринимать ее как сумму нескольких самостоятельных частей. Неделимость закладывается в композиции через нахождение идеи, которая способна объединить в одно целое все компоненты будущей картины. При нахождении идеи следует вначале сочетать основные массы, разработка деталей допустима лишь после определения положения основных частей композиции.

Другой чертой закона цельности является необходимость связи и взаимной согласованности всех элементов композиции. В совершенной композиции нельзя убрать ни одну деталь без ущерба для целого. Все части находятся во взаимной связи и соподчинены.

Закон подчиненности всех закономерностей и средств композиции идейному замыслу требует, чтобы организация картины во всех деталях и частях подчинялась содержанию. Этот закон требует учета соотношения объемов, цвета, света, тона и формы, передачи ритма и пластики, движения или покоя, симметрии или асимметрии. Он требует определения отношения размеров всех фигур к размеру картины, сюжетного центра к другим частям композиции. Соразмерность частей и элементов должна быть решена как гармоническое сочетание пропорций, чтобы картина создавала впечатление единого целого.

Основными правилами композиции являются передача ритма, выделение сюжетно-композиционного центра, симметрия или асимметрия, расположение главного на втором пространственном плане.

Ритм проявляет свои характерные признаки, через большую или меньшую периодическую повторяемость какого — либо элемента.

Ритм в искусстве проявляет свои признаки через периодическую повторяемость, ритм подразумевает движение, которое может быть продлено до бесконечности.

Подражая некоторым видам ритма в органической и неорганической природе искусство делает ритм одним из важных средств композиции, которая является основой художественного творчества.

В организации композиции используют различные виды ритмов — линейные, тоновые, цветовые. Особую роль играют контрасты. Выделяя те или иные участки изображения, они делают их, то более заметными, то затухающими. Произведение, построенное на еле заметных колебаниях света и тона без определенных акцентирующих внимания зрителя «вспышек», кажется однообразным, монотонным, лишенным живописной выразительности. Резко звучащие контрасты (масштабные, тоновые) создают напряжение, динамику. В противоположность симметрии, динамическое изображение строится на резких сдвигах центра композиции с оси картины плоскости. В этих случаях ритмы направлены на достижение зрительного равновесия масс.

Ритм в удачной композиции одновременно разделяет компоненты произведения и объединяет их. Это указывает на связь ритма с композиционным законом цельности.

В то же время ритм обладает свойством через определенный порядок в изображении обычных предметов подчеркнуть их эстетическую сторону, открывая красоту и в примелькавшихся предметах и в новых.

Взаимодействие ритма с законом новизны, требует от художника эстетического открытия мира. Ритм организует изображение, он создает зрительный каркас. Зрительно сопоставляя одни элементы соображения с другими, мы выделяем главное из них и сосредотачиваем на них внимание. Однако не любая повторяемость может создать нужный ритм. Излишнее нагромождение ритмов усложнит композицию, сделает ее сухой, маловыразительной. Невозможно спокойно воспринимать изображение, если все пятна светлые будут чередоваться темными. Такое чередование вносит пестроту в общую цветовую гамму. Надо создать гармонично организованный ритм. Делать мягкие переходы от одного пятна к другому.

Композиционный центр должен привлекать внимание зрителя. Сюжетно-композиционным центром является та часть, которая достаточно ясно выражает главное в содержании сюжета. Композиции идейная завязка очень редко берется в геометрическом центре. Центр композиции может немного смещаться в сторону. Центр выделяется объемом, освещенностью и другими средствами.

Выделение главного в композиции связано с особенностью зрительного восприятия человека, фиксирующего свое внимание прежде всего на сильно действующем раздражителе. Это могут быть световые эффекты или резкое изменение условий освещенности, контрасты цветовые или тоновые, контрасты величин, форм.

Одно из главных требований композиции объективно правильно разместить сюжетно — композиционный центр, заключающий в себе конструктивную идею сюжета, мотива. Следуя закону цельности, художник должен логически и обосновать связь центра с остальными частями композиции. Если главное будет чрезмерно сдвинуто в сторону, может появиться неоправданно пустое пространство, ослабляющее восприятие идеи пространство.

Важное значение для выражения смыслового центра имеет соотношение размера предметов, входящих в произведение.

Для пейзажа характерна большая пространственная протяженность, и отсюда возникает задача построения пространственных планов, передача большой глубины изображения. Простор в открытом пейзаже, будет казаться неизмеримо большим, чем при наличии боковых преград в виде зданий, деревьев или других предметов. Яркие примеры — «Лесные дали» И.И. Шишкина, «Сказ об Урале» В.Н. Мешкова. Особую роль играет первый план, который часто помогает раскрыть смысловое содержание пейзажа и позволяет воспринимать части пейзажа масштабно. Наиболее выразительные предметы расположены на втором пространственном плане. За вторым главным планом виден необозримый лесной мотив, контрастность. Насыщенность цвета от плана к плану ослабевают. Это создает ощущение огромного пространства.

Впечатление глубины изображаемого пространства достигается также за счет перспективных изменений света и использования эффектов освещения. Глубина в изображении строится за счет сравнительного первого плана до затемненного дальнего или насыщенного первого до световоздушного дальнего. Так, в картине И.И. Шишкина «Корабельная роща» глубина при сравнительно не глубоком пространстве строится не только за счет линейной перспективы, изменения насыщенности цвета, контрастов и т. д., но и за счет использования света. На игре пятен света и тени на траве, стволах деревьев строится глубина пространства и в картине И.И. Левитана «Березовая роща».

В построении пейзажа имеют большое значение соотношения земли и неба. Размеры каждой части могут иметь то или иное смысловое и пластическое значение и определяются характером данной местности. Важно также решить соотношение основных объектов пейзажа, а также других крупных планов, находящихся этих двух определяющих частей.

В картине-пейзаже в отличие от этюда должен быть художественный образ как нечто общее. пейзаж живопись жанр техника

Большую роль играет колорит в пейзаже. Цвет в живописном произведении никогда не выступает изолированно. Он является носителем многих изобразительных качеств: объема, материала, пространства, состояния освещенности. Эстетическое воздействие цвета самого по себе в картине проявляется в незначительной степени. Предметность цвета, то есть способность выражать свойства реального мира, не снижает, а повышает эстетические возможности.

Цвета определенным образом строят картину, участвуют в создании композиции пейзажа. В вопросах колорита чрезвычайно сильно сказываются индивидуальные склонности художников, личный вкус и ощущения, исторические условия, национальные традиции. Но можно выделить общие принципы. Композиция цвета основывается на гармонии, на определенной гамме красок, на подчиненности общему тону. Один и тот же цвет может быть разным, то теплым, то холодным. Особое значение приобретает в композиции пейзажа состояние освещения. Общий цветовой строй пейзажа, должен быть подчинен этому состоянию.

В природе любые самые разноречивые цвета согласованы, объединены влиянием среды, освещения и воздушной перспективы. Изображенные на холсте предметные, локальные цвета, лишенные этого влияния, теряют гармонию и единство. Поэтому важно показать не только видимые с данной точки зрения предметы в их перспективных сокращениях, но и выявить на холсте их цветовую характеристику, обусловленную окружающей средой с ее рефлексами, цветовыми контрастами и прочими особенностями. В картине Н. Саврасова «Грачи прилетели» снег переливается зелеными, розовыми, сине-голубыми оттенками, но в целом создается впечатление белого снега.

Важную роль в создании целостности пейзажа играет приведение цветового решения в работе к колористическому единству.

В пейзаже по сравнению с натюрмортом, интерьером, портретом иные измерения пространства, масштабности. Перед живописцем открываются большие просторы, многоплановость (глубина точки зрения), богатое разнообразие форм, величин, цветов, необычность и постоянная смена освещения, атмосферных явлений. Умение разобраться в своих впечатлениях от пейзажа, найти в нём самое интересное, главное, отобрать нужные детали и подчинить их целому — задача трудная даже для опытного пейзажиста.

При работе над натюрмортом, интерьером натура всё время остаётся неподвижной, освещение и световоздушная среда в помещении относительно постоянна, объекты натуры находятся рядом с художником, изображаемое пространство неглубокое, хорошо видны форма, пропорции, цвет, материальность предметов, отдельные детали. В этих жанрах внимание и живописный интерес художника в основном сосредотачиваются на характере формы, материала, тонально-цветовой моделировке, цветовой рефлексной взаимосвязи предметов. Задача передачи световоздушной среды, перспективных эффектов не исключается, но и не главенствует. В живописи пейзажа, напротив, внимание художника направлено главным образом на решение задач передачи пространства, состояния освещения, атмосферных явлений и влияния всего этого на предметный мир пейзажа.

Разные времена года, части суток, солнечный или лунный свет, ветер — всё это оказывает огромное влияние на вид природы и способно очень быстро преобразить пейзаж до неузнаваемости.

Природные явления, влияя на общее состояние пейзажа, вызывают у нас ответные чувства — тревогу, страх, печаль, радость и т.п. Поэтому в пейзажной живописи важно верно передать состояние освещённости, атмосферные явления, пространство и вызвать тем самым у зрителя соответствующие чувства.

В живописи пейзажа художник имеет относительную свободу в колористических поисках, трактовке эмоциональных переживаний при восприятии пейзажа.

Работа над пейзажем, как и работа над фигурой, портретом, требует от художника умения свободно рисовать и писать красками. В противном случае затруднения в передаче живописно-пластических качеств натуры вынуждают художника изображать предметы приблизительно, декоративным пятном. Так иногда в этюдах изображаются облака, деревья, дома, животные, люди и т.д. Однако изображение в пейзаже названных предметов и объектов — это не только живописная задача. Это органичная задача по созданию образа природы. Да и живописную задачу трудно решить, если, например, плох предварительный рисунок.

Вместе с тем рисунок в пейзаже не следует понимать и как стремление к графичности, жесткости изображения. Например, картины И.И. Левитана «Свежий ветер», «Берёзовая роща» не графичны, но нарисованы очень убедительно. Вот почему пейзаж надо не только учиться писать, но и рисовать — графитным и цветными карандашами, пером, углём, сангиной, работать в гравюре и т.п. Разнообразие техник, материалов в работе широко применяли И.И. Шишкин, И.И. Левитан.

Начинающие живописцы должны изучать природу во всех её проявлениях, постоянно развивать и накапливать запас наблюдений и представлений о ней.

Работая над пейзажем, нельзя его «срисовывать». Пейзаж требует от художника взволнованного, поэтического отношения. Русские и советские мастера пейзажа — К.А. Саврасов, И.И. Левитан, А.И. Куинджи, Н.П. Крымов, В.Н. Бакшеев, А.А. Рылов, С.А. Герасимов, Г.Г. Нисский, Е.И. Зверьков и др. — подчёркивали, что природа, её поэзия, красота постигаются любовью, восторженным отношением и преклонением перед ней. В этом они видели первооснову, залог успеха в работе над пейзажем.

С чего начинать работу над пейзажем? Прежде чем начать рисовать или писать пейзаж, надо хорошо его знать в целом и в деталях. Нив коем случае нельзя пренебрегать изучением так называемого микропейзажа (малых форм), т.е. надо обязательно рисовать и писать травы, кустарники, цветы, камни, коряги, стволы и кроны деревьев, облака в их естественном состоянии.

Несколько слов о выборе мотива. Иногда делаются ссылки на то, что вроде бы писать нечего или неинтересно. Надо сказать, что «готовых композиций» в природе, а равным образом установленных композиционных решений в практике реалистического искусства не бывает. Напротив, художник должен всегда вести поиск нового мотиве и средствах его выражения. Уметь находить интересные мотивы самостоятельно, воспринимать мир по-своему — важнейшая учебная и творческая задача.

Свои наблюдения, поиски надо стараться делать в различное время дня, при разном состоянии погоды и точках зрения на натуру. В поисках интересного мотива полезно походить по улицам, окраинам или выйти за город, село, в поле, в лес, на речку. При этом очень важно, чтобы увиденный мотив чем-то привлёк, заинтересовал художника. То, что привлекло внимание, становится впоследствии, как правило, главным акцентом или даже композиционным центром этюда. Нередко это является побудительной причиной, во имя которой художник начинал писать тот или иной мотив.

Работа над пейзажем требует предварительных навыков, умения изображать цветом объёмную форму и материал предметов в натюрморте. Затем следует много и настойчиво писать отдельные элементы пейзажа с натуры, чтобы научиться «лепить» форму деревьев, кустов, выявляя отличительные признаки их породы.

Рекомендуется выполнять пейзажные зарисовки — этюды двух типов: кратковременные и длительные, в которых требуется убедительно передать пространство, состояние погоды, нюансы освещения и детально проработанные формы. Длительные работы надо писать несколько сеансов, в одни и те же часы дня, при одинаковом состоянии погоды. Кратковременные этюды помогают развить чувство целого, избежать сухости и вялости живописи.

Более подробно рассмотрим процесс работы над длительным этюдом. Прежде чем приступить к выполнению подготовительного рисунка, нужно решить для себя, какую часть расстилающегося перед вами пейзажа вы будете изображать. Для этого делается эскиз — предварительный набросок, в котором решается композиция пейзажа: сколько места займёт небо и земля, какой кусок леса включить в этюд и т.д.

В поисках композиции пейзажа, при выборе точки зрения, допустимо пользоваться рамочным видоискателем. Его можно вырезать из картона. Соотношение сторон отверстия должно быть подобным формату той картинной плоскости, на которой предстоит рисовать. Одну из сторон рамки лучше сделать передвигающейся, что позволит изменять формат отверстия видоискателя. Уточнив композицию пейзажа в эскизе, выполните подготовительный рисунок безукоризненный в отношении перспективного построения пропорций различных объектов и планов. В подготовительном рисунке надо установить размер предметов, проверив их перспективные изменения; деревья первого плана должны быть прорисованы с характерными изгибами ствола и сучьев, по которым узнаётся порода дерева. На дальних планах набрасывают общую форму кроны деревьев и основные пятна света и тени.

В пейзаже с самого начала надо установить силу тона и цвет основных объектов: неба, земли, воды и т.п., а потом постепенно доводить этюд до законченности. Не имея возможности сравнивать на холсте отдельные части, нельзя построить правильно их цветовые отношения.

Прежде чем писать красками, нужно посмотреть, прищурив глаза, где на натуре самое светлое место и самая тёмная тень.

Важно так же понять общее тоновое и цветовое состояние пейзажа. Этюды, сделанные в разное время дня и в разную погоду, должны отличаться по общему тону и цветовому состоянию. Пейзаж в солнечную погоду в целом светлее вечернего или в серый день. Краски осеннего пейзажа в пасмурную погоду мягкие, серо-золотистые, в солнечную — ярко оранжевые. Если не будет передан общий тон и цвет, этюд потеряет самое ценное в пейзажной живописи — состояние, настроение.

В пейзаже воздушная перспектива намного заметнее, чем в натюрморте. Всё обширное пространство до самого горизонта покрыто лёгкой голубой дымкой, красочность предметов ослабевает по мере их удаления от нас. Эти изменения в цвете, как известно, происходят благодаря наличию слоя воздуха, имеющего голубоватый цвет. Однако можно наблюдать такое состояние освещения, когда наиболее интенсивным по тону и цвету окажется не передний план, а средний или даже дальний. В творческом пейзаже иногда сам художник в интересах выражения замысла своей картины может построить тональную и цветовую гамму таким образом, что наиболее интенсивным будет не передний план, а допустим, средний план. С увеличением расстояния не только слабеет насыщенность цвета — уменьшается степень контрастности, исчезают детали; по мере удаления внешние очертания предмета начинают расплываться, контуры становятся мягче. На переднем плане легко разглядеть отдельные ветви и листья, на втором и дальних планах мы не можем различить даже деревья. И эти изменения надо сохранить на холсте, чтобы передать глубину пространства. В природе не существует сплошного серого или зелёного цвета, которые на холсте можно было бы передать одной краской. Каждый цвет передаётся в живописи сочетанием цветовых оттенков, составленных из различных красок. Однако как бы ни были разнообразны цвета пейзажа, все они объединяются цветом освещения. В природе всё подчиняется общему тону и цвету. Цвета неба и земли различны в вечернем пейзаже, но имеют тёплые оттенки угасающего солнечного света. Если не почувствовать влияния освещения на все краски натуры, нельзя правдиво передать состояние природы в определённое время дня, при той или иной погоде.

17 апреля Кратко о специальной теории относительности.

14 апреля Вариант резервного дня ЕГЭ по математике.

13 апреля Вариант досрочного ЕГЭ по физике.

12 апреля Вариант досрочного ЕГЭ по информатике.

25 декабря На нашем сайте размещён курс русского языка Людмилы Великовой.

− Учитель Думбадзе
из школы 162 Кировского района Петербурга.

Наша группа ВКонтакте
Мобильные приложения:

Какие из высказываний соответствуют содержанию текста? Укажите номера ответов.

Цифры укажите в порядке возрастания.

1) С точки зрения художника, живописный пейзаж должен изображать природу как можно более правдиво.

2) Саврасов ставил наблюдательность художника гораздо выше эмоциональной чуткости, способности чувствовать красоту природы.

3) По мнению Саврасова, только реалистическая живопись заслуживает внимания.

4) По убеждению Саврасова, настоящий художник должен выражать в картинах образы своей фантазии.

5) Картина «Грачи прилетели» получила такое название из-за того, что художник увидел прилетевших птиц.

(1)Алексей Кондратьевич Саврасов писал картины природы и преподавал в Московском училище живописи и ваяния. (2)Добрый и снисходительный к людям в жизни, в вопросах искусства он становился требовательным и строгим.

(3) — Ну какая же это верба, юноша? — говорил он, просматривая работу ученика. — (4)Не знаете — посмотрите. (5)Десять раз посмотрите, потом рисуйте. (6)Надо знать природу как свои пять пальцев, чтобы писать пейзажи. (7)Верьте только своим глазам, а не выдумывайте природу!

(8)Потом подходил к другому этюду и вздыхал:

(9) — Тут всё правильно: и ветки, и почки, и молодые побеги. (10)Но разве же это живопись? (11)Это рисунок для ботанического атласа, а не живопись. (12)Потому что мало знать природу, надо природу чувствовать. (13)Разве вы не заметили, как печально склоняет ива к воде свои гибкие ветви? (14)А как весело играют весной на берёзе серёжки! (15)Они так и светятся в лучах солнышка, которое ещё только начинает пригревать. (16)А вы, хоть вы и смотрели на природу, главного-то и не увидели. (17)Не тронула вас она. (18)Но если природу писать с волнением, с чувством, то картина ваша взволнует и зрителя. (19)А так её — у купца в передней и то повесить нельзя, не то что в картинной галерее.

(20)Каждый год, едва заканчивались занятия в училище, отправлялся художник «на натуру» — с глазу на глаз беседовать с полями, рощами, перелесками. (21) В 1871 году, ещё до прихода весны, уехал Саврасов из столицы. (22)И вот он на Волге, в Костроме. (23)Всегда был ему по душе этот старинный русский город. (24) В центре — высокая каланча да каменные ряды, в которых торгуют мясом, молоком, пряниками. (25)А за ними — по пригоркам, по оврагам — лепится серая от времени, деревянная Кострома — настоящая большая деревня. (26)Идёшь от Волги, поднимаешься в гору; плывёт в воздухе далёкий звон колоколов Ипатьевского монастыря. (27)Тихо здесь после Москвы, и так легко, так свободно дышится!

(28)Художник снял комнатку в мезонине большого деревенского дома. (29)Но первые дни, даже недели, работа не клеилась. (ЗО)Стоял у окошка, смотрел на занесённые снегом избы, на ветхую каменную церковку, на хмурое небо да узловатые голые берёзы с чёрными прошлогодними гнёздами. (31)Ничто не трогало в этом пейзаже сердца художника. (32)Надевал сапоги, долго шёл по побуревшей от грязи дороге, присматривался, прислушивался, но весна не приходила. (ЗЗ)Возвращаясь в дом, он печально вздыхал, жалуясь хозяйке:

(34) — Далеко ещё до весны, Дарья Петровна. (35)Ой, далёконько.

(36)Но весна пришла, как она приходит всегда, — неожиданно, сразу. (37)Однажды утром разбудили художника неугомонные птичьи крики. (38)Он глянул в окошко и рассмеялся, как ребёнок, потому что за окном голубело небо. (39)Наскоро накинув халат, Саврасов настежь распахнул створки окна. (40)Резкий холод ворвался в комнату, но художник не замечал этого. (41)Вот оно! (42)Началось. (43)Робкий луч солнца проложил по снегам голубые тени, снег стал рыхлым, пористым, словно вата, маленькими зеркальцами заблестели первые лужицы. (44)Но главное — птицы! (45) С ликующим пронзительным криком, стаями и в одиночку, они кружились в прозрачном весеннем воздухе, и унылые чёрные гнёзда ожили: вокруг них хлопочут уже, кричат и радуются прилетевшие из-за моря долгожданные гости.

(46)Шаги заскрипели по лестнице, открылась дверь, и в комнату заглянула хозяйка. (47)Увидев открытое окно, она потянулась его закрыть, но Саврасов остановил её.

(48) — Кондратьич, а Кондратьич! (49)Чай будешь пить? (50)Я самовар вскипятила.

(51) — Потом, потом, хозяюшка. (52)Не до того мне сейчас! (53)Грачи прилетели! — отозвался он, взволнованный.

(54)Схватив палитру, так и не захлопнув окна, художник стал пристраиваться на подоконнике со своей работой. (55)Напевая, набрасывал на белом холсте согретые первым лучом весны деревья, и почерневшие избы, и маленькую церковку.

(56) Почему же так долго не мог взяться художник — признанный мастер пейзажа — за кисти и краски? (57)Чего он ждал, чего ему не хватало? (58)Он ждал и нашёл наконец такой момент, когда в природе вдруг всё стало меняться. (59)Теперь он мог показать природу в движении. (60)«Грачи прилетели!» — так сказалось, так и назвал он свою картину, ставшую впоследствии знаменитой. (61)В этой картине он выразил всё, что томило его, чего ожидал он с таким нетерпением, — первое дуновение весны.

(По О.М. Туберовской*.)

*Туберовская Ольга Михайловна (род. в 1940 г.) — советский писатель, искусствовед, автор книги «В гостях у картин».

Источник текста: МИОО: Тре­ни­ро­воч­ная ра­бо­та 28.01.2013 ва­ри­ант 1.

5 верно, потому что № 60«Грачи прилетели!» — так сказалось, так и назвал он свою картину, № 53 Грачи прилетели! — отозвался он, взволнованный.

Что такое пейзаж в понимании художника и фотографа?

Многим начинающим художникам и фотографам интересно, что такое пейзаж и как правильно его изображать в своих работах. Долгое время этот жанр искусства в списке перечисления занимал чуть ли не последнюю позицию. Всему виной искаженное понимание людей, представляющих окружающую природу лишь в виде фона основной картины. Сегодня пейзаж занимает уже лидирующие позиции. Ведь представления о жанрах искусства кардинально изменились.

Пейзаж в живописи особенно прекрасен, потому что художник не только изображает окружающую его природу, как фотограф, а, в первую очередь, передает состояние своей души. При внимательном изучении любой картины можно уловить мысль ее создателя, почувствовать его характер, настроение. Нередко пейзажи рождаются в воображении мастера, на полотне он передает свои мысли и чувства. Художник вкладывает в работу всю свою душу, тем самым открывается перед другими людьми. Именно по этой причине некоторые картины стоят миллионы.

Пейзажную фотографию сделать не так просто. Ведь необходимо как можно дольше удержать внимание зрителя, чтобы ему хотелось всматриваться в нее, различая малейшие детали. В каждой работе должен быть заложен смысл, прослеживаться цепочка связанных между собой предметов. Например, взгляд зрителя может перемещаться от дерева к дому, а затем к тропинке или дороге. Каждая картина индивидуальна, и даже один и тот же пейзаж, сфотографированный в разном ракурсе и в разное время суток, не будет выглядеть одинаково.

Картины с пейзажами всегда привлекали внимание, потому что с их помощью человек может почувствовать свое единство с окружающим миром.

«Пейзаж. Точка зрения»

с 5 Февраля
по 3 Марта

Калужский музей изобразительных искусств

ул. Ленина, 103
Калуга

Пейзаж, как полностью самостоятельный жанр, сформировался относительно недавно и за несколько сотен лет претерпел множество трансформаций и переосмыслений. В представленной экспозиции зрителю предлагается познакомиться с разнообразием мироощущений, с индивидуальными и самобытными точками зрения художников. Многие, оставаясь в рамках реалистического искусства, создают своё образное видение природы, своё к ней отношение, и выражают это в сюжетах, в выбранных мотивах. Другие выходят за рамки реализма, отдавая предпочтение формальным решениям.

Пейза́ж (фр. Paysage, от pays — страна, местность) — изображение первозданной, либо преобразованной человеком природы, жанр изобразительного искусства. До того, как пейзаж заявил о себе, как об отдельном жанре в мировом искусстве, он выступал в роли «декораций» к жанровым произведениям, к портретам. В 17 веке художники все чаще начинают не просто обращаться к мотивам природы, а зачастую наделяют их большей значимостью, в результате чего очень скоро пейзаж становится самодостаточным и полноценным героем картины. Но художники смотрят на мир особым взглядом, преображая окружение, наделяя его идеализированными чертами, в результате чего природа на их полотнах приобретает патетическое звучание.

Девятнадцатый век вносит свои коррективы в реалии художественной жизни – художники выходят на улицы и начинают писать природу непосредственно с натуры, они отказываются от театральности и идеализации, выступая за правду жизни в изобразительном искусстве. В их полотнах в качестве главного действующего лица выступает не только мотив, но и конкретное состояние природы. Необходимо отметить, что во многом причиной для таких значительных перемен становится прогресс, коснувшийся сферы искусства, и связано это было с появлением красок в тюбиках, что в значительной степени облегчало художникам жизнь и позволяло им без особых препятствий покинуть свои мастерские и выйти на пленер. Но и на этом эволюция пейзажа не останавливается, и художники, входя уже в 20й век, не прекращают своих поисков новых средств самовыражения. Опираясь на опыт предшественников, переосмысляя их творчество, они ищут и находят себя в пейзаже, но уже в новых живописных направлениях, сквозь новую призму мироощущения. Одни из них остаются в прежних границах реалистической живописи, другим в этих реалиях становится тесно, и они выходят за рамки окружающего их мира, беря за основу натурные впечатления и превращая их в яркие, порою фантасмагорические, образы.

Данная выставка знакомит с произведениями русских художников 20-21 веков. Для каждого из представленных авторов пейзаж – это прежде всего образ Родины, родного края, где каждый вносит свой настрой в этот образ: где-то это тишина и покой отдаленной глуши, как в картинах Ефрема Зверькова и Витольда Бялыницкого-Бируля, где-то радость жизни при виде близких сердцу излюбленных мест, как, к примеру, у Иосифа Павлишака или Кима Бритова, а где-то собирательный образ, как у Владимира Арепьева, Юрия Шишкова и Ольги Кузьминовой. Яркое тёплое и самобытное отношение к Родине выражают в своих полотнах Виктор Глухов, Виктор Иванов, Герасимов Сергей. Говоря о представленных направлениях в искусстве, стоит отметить, что произведения Иосифа Павлишака, Евгения Щербакова, Николая Ромадина несут в себе черты импрессионистической живописи. Эмоциональны и экспрессивны работы таких авторов, как Ирина Старженецкая, Владимир Давыдов, Важа Окиташвили. Многие из картин по своим ярким цветовым и композиционным решениям отсылают нас к традициям русского авангарда начала 20-го века.

Экспозиция предлагает не только созерцать, но и сравнивать между собой представленные произведения. Но сравнивать не в ключе «лучше или хуже», а в том, насколько каждый художник индивидуален, неповторим и узнаваем, как различаются авторы разных поколений с разными точками зрения на пейзаж и на искусство в целом.

Выставка продлится до 3 марта

По адресу: ул. Ленина, 103, 2 этаж ежедневно с 10.00 до 18.00 ч., суббота — с 11.00 до 19.00, выходной день- понедельник.

Описание картины А. К. Саврасова «Грачи прилетели»

Полотно «Грачи прилетели» — признанный шедевр мирового живописного искусства. Картина была написана А. К. Саврасовым в 1871 году. Представленная широкому зрителю на первой выставке ТПХВ, она получила заслуженное признание современников, и была сразу же куплена П. Третьяковым.

Неприхотлив и прост мотив картины. Простыми изобразительными средствами художник показал чудо пробуждения природы, чарующую притягательность ранней весны.

На полотне изображена окраина небольшого селения. Пасмурный весенний день. Воздух тих, прозрачен и свеж. По сероватому небу плывут легкие рыхлые облака. Снег еще не сошел полностью, от земли идет теплый пар.

За дощатым забором – крестьянские избы, церквушка и колокольня с облезлой крышей, а еще дальше – пашни с белыми пятнами нерастаявшего снега. На окраине села, на холме — несколько корявых березок. Среди их обнаженных ветвей, суетясь и галдя, летают грачи – вьют новые гнезда, обновляют старые…

Картина «Грачи прилетели» исполнена в пастельных, приглушенных тонах. Все на картине – и бурые проталины на снегу, и сизый дымок, курящийся над крышей крестьянской хаты, и мокрые стволы кривых березок – наполнено бесконечным лиризмом и поэзией. Человек, создавший эту картину, безусловно, не просто любил природу — он понимал ее тайный язык. С поразительной ясностью передано едва уловимое ее состояние, знакомое сердцу каждого человека, — состояние обновления, присущее ранней весне. И грачи на картине – как вестники весеннего обновления.

Удивительное ощущение оставляет полотно. Этот пейзаж — не бездушный слепок с окружающей природы, в ней есть трепет настоящей жизни. И. Н. Крамской говорил, что в картине «есть душа». В течение многих лет картина «Грачи прилетели» является одним из самых знаменитых русских пейзажей, настоящим живописным символом России.

Описание картины А. И. Куинджи «Лунная ночь на Днепре»

«Лунная ночь на Днепре», пожалуй, самая известная картина А. И. Куинджи. Создание картины в 1880 году стало настоящей сенсацией. Широкую публику она привела в восторг с самого момента своего появления.

Картиной восхищались И. Крамской и Я. Полонский, И. Тургенев и Д. Менделеев. Впечатление, которое картина производила и производит на окружающих, тем более удивительно, что она не отличается каким-то необычным сюжетом, а является обычным пейзажем, к тому же весьма небольшим по размеру.

Любой зритель останавливается перед картиной, завороженный удивительным сиянием лунного света. Картина проста по содержанию. Зеленоватая лента Днепра пересекает равнину. Ее безбрежная гладь почти сливается у горизонта с ночным небом с рябью невесомых облаков. Легкие облака чуть раздвинулись, освободив окошко для луны. Ночное светило осветило реку, паутинку дорожек и стелющиеся по берегу украинские хатки.

Фосфоресцирующий свет отразился от зеркальной глади Днепра и разлился вокруг, погрузив землю в таинственный и волшебный мир. И вся природа замерла, завороженная красотой этой картины. Величественный и торжественный покой опустился на землю, напоминая о вечности мироздания и непреходящей красоте.

Блестящее композиционное решение, мастерское использование определенных живописных приемов позволило Куинджи добиться полной иллюзии вибрирующего лунного света. Иллюзия эта была настолько сильна, что зрители искали причину в особых свойствах красок или в источнике подсветки.

Время, конечно, оставило свой отпечаток на картине – она стала темнеть. Но великолепное лунное сияние, запечатленное замечательным художником, обладает такой силой, что до сих пор заставляет зрителей задуматься о вечном и Божественном.

Описание картины И. И. Шишкина «Корабельная роща»

«Афонасовская корабельная роща близ Елабуги» — последнее крупное произведение И. И. Шишкина, его «лебединая песня». Оно создано художником в 1898 году и является обобщением творческого и жизненного опыта художника, всех знаний, которые он накопил за немалую творческую жизнь.

Величавость, покой и невозмутимость – вот главные чувства, которыми проникнута картина. В ней мы не найдем переменчивых эффектов. Перед нами – типичный русский пейзаж, изображение соснового мачтового леса в ясный солнечный день.

Вся природа купается в чуть розоватых солнечных лучах: и хвойный лес, освещенный солнцем, и лесной пригорок, и прозрачный лесной ручей с каменистым дном. Живописец проникновенно, с большой любовью передал успокоенность рощи, ее умиротворенную тишину.

Громадные, в несколько обхватов деревья, сообщают картине «Корабельная роща» подлинную монументальность. Полотно обстоятельно и подробно рассказывает о жизни могучих сосен. Эпический характер сосновой рощи с огромными соснами-великанами, словно подпирающими могучими кронами небо, сочетается в картине с лиризмом вечернего освещения.

В картине «Корабельная роща» Шишкин вновь воспевает природу с ее стройными лесами, смолистым воздухом, прозрачной водой и ласковым благодатным солнцем. Природа наделяется художником мощной силой, поглощающей все низменное, случайное, мелкое. Но при этом Шишкин не устает любоваться самыми незначительными подробностями из жизни русского леса: корнями, вылезающими из-под земли, пнями, обросшими опятами, обломанными сучьями и солнечными пятнами на мягкой зеленой траве.

Чувства автора передаются и нам – мы словно вдыхаем терпкий запах нагретой сосновой коры и любуемся трепетом солнечных бликов на опушке. И глядя на это монументальное произведение, вслед за Шишкиным невольно испытываем гордость за величавую красоту и необъятность своей родины.

Описание картины В. А. Серова «Девочка с персиками»

«Девочка с персиками» — безусловно, самая известная картина В.Серова. Полотно было написано молодым художником летом в 1887 году в усадьбе С.И.Мамонтова. Девочка-подросток, изображенная на полотне, — дочь Мамонтова, двенадцатилетняя Верочка.

Картина создавалась трудно — работа заняла более трех месяцев — но нам кажется, что произведение было создано быстро, в порыве счастливого озарения. Какие же качества этой картины делают ее такой необъяснимо притягательной для зрителя?

Наверно, секрет прелести этого произведения прост – живописец сумел передать трепет ускользающего мгновения, но при этом придать картине завершенность, законченность. Смуглая девочка в светлой с бантом кофточке сидит за столом. Нам кажется — она присела на миг, машинально взяла в руку персик, а через мгновение встрепенется, как бабочка, и улетит обратно в сад.

У девочки нежная кожа, темные, с синеватыми белками глаза и такие же темные волосы. Просто, с едва заметной улыбкой, смотрит она на нас. В руке у нее персик, на скатерти рядом – персики, нож, кленовые листья… Комната залита солнечным светом. Солнечные лучи, проникая в комнату, мягко ложатся и на стол, и на руки девочки, и на старинную мебель зимней столовой…

Картина покоряет зрителя и свежестью колорита, и гармоничностью художественного образа, и удивительной внутренней гармоничностью, и огромной жизненностью. Используя импрессионистические приемы, в частности свободную вибрацию мазка, Серов с большим мастерством передает игру света, его насыщенность, и то, как ложатся тени.

А самое главное — художнику удалось с помощью небольшой картины рассказать целый роман о девочке, о ее характере, чувствах – таких же светлых и чистых, как и ее облик. Картина «Девочка с персиками» — ода весне, обаянию юности и непосредственности, всему тому, что восхищает и радует нас в жизни.

Описание картины В. М. Васнецова «Алёнушка»

Одним из самых известных творений русского художника-фольклориста В. М. Васнецова является картина «Алёнушка», написанная маслом на холсте в 1881 году. Критик И. Э. Грабарь даже отозвался о ней как об одной из великолепнейших картин русской школы того времени.

Работу над данным произведением автор начал в 1880 году, начав рисовать этюды в гостях у своего друга, крупного промышленника Саввы Ивановича Мамонтова, в Абрамцеве.

В основу сюжета положена русская народная сказка «О сестрице Алёнушке и братце Иванушке». Композиция состоит из одного единственного персонажа – молодой девушки с русыми волосами, одетой в народное длинное платье.

Алёнушка по сказке была сиротой, которая на время потеряла единственного близкого человека – Иванушку. Именно поэтому первоначально данное произведение задумывалось под названием «Дурочка Аленушка» (дурочками раньше называли сирот).

Образ этой девушки пришел в голову великого художника задолго до написания картины, но воплотить в жизнь эту идею автору помогла простоволосая крестьянка, спустившаяся к пруду на Ахтынке и поразившая В. М. Васнецова своей красотой. Как впоследствии признавался сам художник, от неё веяло особой русской печалью, тоской и одиночеством, которое читалось в её глазах.

Васнецов передал все эти чувства в склоненной позе героини, грустно обвившей руками колени, и в её печальных, полуприкрытых ресницами, глазах. Настроению персонажа вторит природа.

Согласно народным поверьям, природа в конце дня обретает способность отражать эмоции человека. На заднем фоне, списанном опять же с пруда Ахтынки, автор изобразил свинцово-серое небо, ёлочки устрашающего тёмно-зелёного цвета. Под ногами Алёнушки расстилается столь же мрачный пруд, пугающий зрителя своей глубиной, прикрытый листьями желтого цвета и спускающихся к самой поверхности омута осинками с листвой серых оттенков.

Описание картины В. М. Васнецова «Сказка о спящей царевне»

Виктор Михайлович Васнецов известен прежде всего своим умением отражать в живописи народный дух русского фольклора.

Картина «Сказка о спящей царевне» уносит зрителя в волшебный мир сказки. Для её написания автор использовал насыщенные и яркие краски преимущественно тёплых тонов, поэтому, смотря на картину, сразу ощущается необычность, сказочность происходящего.

Центральное место в композиции занимает фигура самой Спящей Царевны. Её веки прикрыты, руки раскинуты, тело немного повернуто к зрителю. По преданию, она уколола пальчик веретеном, после чего сбылось давнее проклятие – заснула не только красавица, но и все царство.

Вокруг Царевны спят её служанки, спят даже птицы, звери, деревья и цветы. Картина статична настолько, что создаётся впечатление, что даже легкий ветерок никогда не потревожит их крепкий сон.

Каждая деталь картины прорисована с высокой чёткостью. Лица у всех настолько разные, на каждом из них отмечается характер человека и последние его мысли. Задний план составляет внутреннее помещение терема, соседние здания с одной стороны, и дремучий лес с другой, к деталям которых можно присматриваться бесконечно. Так, можно заметить в росписи окружающих предметов множество символов солнца.

Лейтмотивом данного творения служит идея времени. Языческие мотивы мелькают на картине. Тело Спящей Царевны расположено перед двумя колоннами, украшенными двумя головами девушек, что обозначает живую и мертвую воду. Пока красота будет жить, над человечеством не будет властно ни время, ни смерть.

Сама сказка о Спящей Царевне выражает представление древних о цикличности природы, о постоянной смене сна и пробуждения. Связь героини с природой подчеркивается цветочными мотивами её платья и украшениями её ложа монументальными изображениями животных. Автор удивительно точно передал спокойной сон в ожидании новой жизни.

Описание картины В. М. Васнецова «Иван-царевич на Сером Волке»

Период работы в украинской столице во Владимирском соборе известного художника В. М. Васнецова отметился появлением задумки иллюстрации к древней русской повести «Иван-царевич и Серый Волк».

Автор закончил написание одноименной картины в 1889 году, выставив затем своё произведение на передвижной выставке.

Сюжет картины повествует о преодолении трудностей, которые связаны с нарушением Иваном-царевичем запретов. На переднем плане расположено болото с кувшинками лилиями, старая покосившаяся яблоня с цветущими ветками. По центру картины взгляду предстают фигуры Еленой Прекрасной и Ивана-царевича, которые летят сквозь чащу на Сером Волке прочь от царя Далмата.

Автор изобразил Ивана-царевича в дорогой царской одежде, гордо восседающим на волке. Его твердый взор устремлён вдаль, в глазах отражается вера в спасение. Он нежно обнимает красавицу, чувствуя свою ответственность за её судьбу.

Поза Елена Прекрасной отражает одновременно и испуг, и покорность свой судьбе, и доверие своему спасителю. Она положила свою голову на твёрдое плечо Ивана-царевича, её руки спокойно лежат на коленях.

Образ царевны был написан В. М. Васнецовым с Натальи Анатольевны Мамонтовой, своей племянницы, и проработан был ещё в 1883 году отдельным этюдом. Стремительный бег волка выражает его поза: лапы вытянуты в скачке, уши прижаты. Персонажи расположены по диагонали, что создает впечатление движения.

На дальнем плане находятся мощные стволы вековых дубов. Задний фон нарисован с использованием красок тёмных тонов. Тёмная гамма отражает состояние страха, нависающей опасности преследования. На этом фоне решительно выделяются фигуры героев, написанные светлыми тонами, поскольку они творят правое дело. Среди топкого болота видны белые кувшинки, сбоку расположена цветущая ветвь, которые символизируют надежду на успех.

Описание картины И. И. Шишкина «Утро в сосновом лесу»

Пожалуй, самая известная картина выдающегося русского пейзажиста И. И. Шишкина – «Утро в сосновом лесу». Картина была написана в 1889 году.

Считается, что замысел картины был подсказан Шишкину известным художником Савицким К. А. Рукой именно этого художника, кстати, были написаны медведица и играющие медвежата. Однако Третьяков, который приобрел полотно, решил закрепить за ним авторство Шишкина, поскольку считал, что основная работа сделана именно им.

Возможно, именно занимательный сюжет картины способствовал ее популярности, однако настоящая ценность полотна определяется точно переданным состоянием природы. Перед нами – не просто сосновый лес, а глухая чаща, которая начинает пробуждаться ранним утром. Солнце только-только всходит. Его смелые лучи уже позолотили верхушки огромных деревьев и проникли вглубь чащи, но над глубоким оврагом еще не рассеялся влажный туман.

Проснулись обитатели чащи – три медвежонка и медведица. Похоже, малыши сыты и довольны. Они беззаботно и неуклюже возятся на сломанном стволе упавшей сосны, а медведица внимательно наблюдает за их игрой, чутко реагируя на шорохи пробуждающегося леса. Могучая сосна, которую ураган когда-то выдернул с корнем, и медвежье семейство, резвящееся на нем, — все это рождает у нас ощущение глухости и отдаленности этого уголка дикой природы.

Картина «Утро в сосновом лесу» показывает, как умело Шишкин решает проблему взаимодействия цвета и света в живописи. Колорит заднего плана полотна – прозрачный, неопределенный, а переднего – глубокий, красочный, хорошо разработанный. В картине, которая заслуженно считается для многих поколений людей образцом пейзажа, в полной мере передано восхищение художника красотой и богатством первозданной природы.

Описание картины В. Г. Перова «Тройка. Ученики-мастеровые везут воду»

Картина «Тройка. Ученики-мастеровые везут воду» была написана В. Г. Перовым в 1866 году. За неё художник был удостоен почётного звания академика живописи.

Полотно повествует смотрящему о том, как трое детей, облачённых в бедное одеяние, изо всех сил тянут на салазках по занесённой ночным снегопадом проезжей дороге большую тяжёлую бочку с водой. В левом верхнем углу картины можно заметить заметённый снегом фрагмент иконы, расположенной над воротами заиндевелой стены местного монастыря.

Драматизм произведения подчёркивается изображением густого утреннего тумана, тающих в нём силуэтов городских зданий, и небольшой стаи чёрных птиц, летящей вслед «тройке».

Первоначально мастер, стремясь передать страдания и показать нелёгкую жизнь детей нищих горожан и крестьян, участью которых были непосильный труд, голод и холод, желая вызвать у созерцающих произведение чувство искренней жалости, хотел подчеркнуть в своих маленьких героях черты уродства и серьёзного истощения. Об этом намерении автора можно судить по многочисленным этюдам и наброскам к картине.

Однако, как мы видим, Перов отказался от своей первой идеи и изобразил детские лица, полные горя и страдания, выражающие ужасающее чувство безысходности. Образы этих детей давно стали поэтически одухотворёнными, символом непосильного труда и суровой действительности.

Позади саней толкает бочку, помогая ребятам, их мастер, который изображён на картине таким же бедным и изнурённым от тяжёлого повседневного труда. Кажется, что даже в глазах собаки, бегущей впереди измученных детей, можно разглядеть жалость и скорбь, чувство голода и тоски.

Описание картины А. И. Куинджи «Березовая роща»

«Художником света» называл А. И. Куинджи И. Е. Репин. Действительно, по изображению игры света и тени Куинджи не было равных. Его знаменитая картина «Березовая роща», написанная в 1879 году, — этому подтверждение.

В картине «Березовая роща» Куинджи сумел создать образ лучезарного, сверкающего дня. Вокруг удивительно тихо и радостно. Привольно и свободно растут на поляне березы. Затеяв веселую игру, скачут по их белым стволам веселые «зайчики». Художник так мастерски изобразил уголок рощи, утопающей в солнечном свете, что кажется, будто слышишь шелест листьев, стрекотание кузнечиков в мягкой траве, щебетанье птиц…

Верхний край полотна «срезает» кроны берез, но отдельные их ветки остаются в поле нашего зрения. Легкий узор их изумрудной зелени контрастирует с темной зеленью берез на дальнем плане картины – и это усиливает ощущение яркости, лучезарности летнего дня.

Затем наш взгляд привлекает ручей. Он «уводит» вглубь картины, в лес, теряющийся в таинственной дымке, и дает ощущение свежести, прохлады. Чувствуется не только прелесть окружающего пейзажа, но и его мощная земная сила. Вдали мы видим темный силуэт леса. Художник не выделяет его детали, наоборот, обобщает силуэты в одну тяжелую массу, сгущает цвет.

Сильного декоративного эффекта Куинджи добивается с помощью удачно подобранной композиции, чистых, звучных красок и точно подобранных контрастов. Пожалуй, все в этом пейзаже построено на контрастах: густая тень зелени дальнего леса контрастирует с белыми, почти светящимися стволами берез и ослепительно-голубым небом.

В картине «Березовая роща» Куинджи не просто показал прелесть и красоту русской природы, но с помощью оригинальных художественных средств передал нам свое чувство восхищения простым русским пейзажем.

Описание картины И. И. Шишкина «Рожь»

«Рожь» — одно из самых выдающихся произведений в творчестве И. И. Шишкина. Картина была написана в 1878 году и принесла художнику заслуженную славу.

На полотне мы видим бескрайние просторы ржаного поля. Золотое море хлебов, колышущееся от ветра, раскинулось до самого горизонта. Тяжелые колосья уже почти поспели и клонятся к земле. Проселочная дорога, уходящая через поле вдаль, пустынна.

Торжественным покоем как будто пронизана эта картина. Даже ласточки, стремительно и бесшумно пролетающие совсем невысоко в светло-синем небе, не нарушают гармонии этой невероятной тишины.

Очень подробно, с большим мастерством и любовью Шишкин пишет передний план: и тяжелые спелые колосья, и венчики ромашек и васильков, и пахнущую пылью дорогу. Все это придает полотну задушевность и жизненную убедительность.

Как будто сторожа, охраняющие несметное богатство спеющих хлебов, над золотом поля возвышаются могучие сосны. Деревья-исполины стоят вдоль дороги до самого горизонта, отчего равнинный пейзаж кажется еще более бесконечным.

Нас не покидает смутное состояние тревоги. Может быть, из-за появившихся возле горизонта первых кучевых облаков, предвещающих близкую грозу? Из-за неба, утратившего свою звонкую синеву? Или из-за черного скелета дерева, обгоревшего во время грозы, нелепо и тоскливо торчащего среди благоухающего золотого великолепия? Минорная нота, явственно звучащая в полотне, как будто напоминает нам о бедах и превратностях жизни, которая ошибочно кажется порой такой идиллической.

И все-таки основная тема полотна «Рожь» — это вера и мощь в величие природы и в ее способность вознаградить труд человека. Это настоящий гимн художника родной природе, ее плодородию, ее изобилию, величественной и торжественной красоте.

Описание картины В. М. Васнецова «Витязь на распутье»

Картина «Витязь на распутье» была написана В. М. Васнецовым под влиянием русской народной сказки «Илья Муромец и разбойники». Первые этюды к этому сюжету датируются началом 1870-х годов.

Первый вариант произведения был окончен в 1877 году, и через год автор представил его всеобщему обозрению на VI Передвижной выставке. В 1882 году увидел свет окончательный вариант, который предназначался в качестве подарка для Саввы Ивановича Мамонтова.

В центре композиции находится фигура самого богатыря – Ильи Муромца. Сначала В. М. Васнецов задумывал развернуть фигуру воина к зрителю, но в окончательном варианте вид на витязя открывается со спины сбоку, и лица не видно.

Илья Муромец сидит на мощном боевом коне белого цвета и вооружен копьем, булавой, щитом и луком с колчаном, полным стрел. Вся его фигура монументальна, она выражает уставшую решимость.

Задумчивость его позы отражается в склонившейся немного книзу голове, наклоненном вниз копье. Автор желает показать единство помыслов воина и его бравого коня: поза лошади повторяет фигуру Ильи Муромца, она также склоняет голову, при этом уверенно стоя на крепких ногах.

Перед персонажем расположен мрачный камень с надписью «Как пряму ехати – живу не бывати – нет пути ни прохожему, ни проезжему, ни пролетному», текст полностью повторяет былинный. Идущие за этой фразой слова, и так известные любому жителю России, автором в процессе переработки были спрятаны и частично стёрты.

Общее настроение картины подчеркивает мрачный задний фон. Болотистая местность, неприветливая тощая растительность, разбросанные по округе камни мрачных серых, зелёных и бурых тонов, а также разбросанные по земле кости и летающий над полем ворон делают понятным, что нелегко славному воину на чужбине. Он находится перед ответственным выбором, и тяжело ему принять верное решение.

Описание картины И. И. Шишкина «Лесные дали»

Полотно И. И. Шишкина «Лесные дали», написанное в 1884 году, относится к периоду жизни художника, когда его талант раскрылся со всей своей глубиной и мощью. Находясь в подавленном состоянии после недавней смерти любимой жены, живописец черпает у природы силы и полностью посвящает себя работе.

Картина «Лесные дали» воспевает красоту природы Урала. Эта картина невероятна по охвату изображенного пространства. Перед зрителем, который как будто стоит на возвышенности, расстилается необозримая панорама лесов.

Леса тонут в сизоватой дымке утреннего тумана. А где-то возле горизонта видны поросшие хвойными лесами невысокие горные хребты. Они сообщают картине величавость, размеренность, широту.

В центре все композиции — небольшое горное озеро. Его зеркальная гладь сверкает, отражая голубое небо с бегущими по нему легкими облаками. Это яркое пятно на картине словно подчеркивает лучезарность и прелесть земной природы. Благодаря этому блику света в центре картины и неспешному чередованию тончайших нюансов цвета и света обычный сюжет превращается в волшебную, чарующую своим очарованием, панораму.

Эпический характер полотну придает не только сам сюжет, но и отдельные выразительные детали. Вот, слегка раскачиваясь, будто разговаривая с окружающим миром, стоит одинокая сосна. А в бескрайнем просторе неба, среди серебристых облаков, парит одинокая птица. Ее стремительный полет дополняет гордое великолепие ландшафта.

Картина «Лесные дали» при всей доходчивости сюжета отличается виртуозной техникой исполнения и убедительностью образов. Эта картина – как символ самой России, подлинный гимн ее величественной и неповторимой красоте и силе.

Описание картины И. К. Айвазовского «Буря на море ночью»

Айвазовский писал море в любое время суток. Изумительны ночные пейзажи И. К. Айвазовского. Среди них – «Неаполитанский залив» (1841), «Лунная ночь на Капри» (1841), «Море в лунном свете» (1878) и др. Одна из самых известных картин художника на эту тему – «Буря на море ночью», написанная в 1848 году.

Художник изобразил неспокойное бушующее море и одинокий корабль, противостоящий натиску стихии. Ночь. Луна, выглядывая из-за разорванных ветром остатков туч, как всегда невозмутимо наблюдает за происходящим. Человек не сдастся, благодаря своей жизнестойкости и воле он обязательно одержит победу в этой жестокой схватке со стихией.

Удивительный эффект на зрителя производит картина. Море не кажется застывшим, мертвым – бурлящие волны сменяют друг друга абсолютно естественно, и море как будто по-настоящему «дышит». Стоя рядом с полотном, зритель как будто даже слышит рокот волн и ощущает, что на него вот-вот покатится настоящая волна.

Картина отличается темной сдержанной колористической гаммой. Большую роль в картине играет свет. Художник в точности передает эффекты, которые создает лунный свет на поверхности волнующегося моря. Лунный свет, мощным потоком прорезающий тьму, — как символ жизни и вечности, он словно вещает о спасении корабля.

Картина «Буря на море ночью» с большим мастерством передает состояние природы – состояние моря, движение облаков. Страстная, проникновенная, эта картина является одним из самых поэтических изображений моря в русской живописи 19 века.

Описание картины И. И. Шишкина «Сосны, освещенные солнцем»

Картина «Сосны, освещенные солнцем» была написана И. И. Шишкиным в 1886 году. В этот период художник особенно много работал над этюдами, пытаясь найти решения для самых разнообразных задач, которые ставила перед ним живопись.

Некоторые крупные этюды художника явно переросли рамки учебной работы, и воспринимаются сегодня нами как вполне завершенные пейзажные работы, хорошо продуманные по своей композиции. К таким произведениям относится картина «Сосны, освещенные солнцем».

В произведении «Сосны, освещенные солнцем» на первое место Шишкин поставил попытку создания общей атмосферы пейзажа.
Результат оказался прекрасным – картина подкупает зрителя очень необычным и свежим цветовым решением, убедительностью и задушевностью.

Мы видим, как ласково солнце касается прямых стволов деревьев. Мощные сосны показаны живописцем во всей красе. Их верхушки художник «срезал» рамой – и это создает ощущение величия деревьев, которым словно не хватает места на холсте. Каждое дерево – индивидуально и красиво по-своему, и в каждом – неистощимый запас жизненной мощи.

Все детали картины — и кора сосен, и хвоя, и кустики зеленой травы на сухой земле — написаны с большой жизненной убедительностью, самым тщательным образом. Жизнь леса разворачивается перед нами во всех нюансах и подробностях. Поэтому очень просто «раствориться» в атмосфере картины. Легко представить, что сам идешь по сосновому бору, чувствуешь прикосновение к щеке горячего солнечного луча, ощущаешь под ногами колючую сосновую шишку и вдыхаешь душистый запах смолы.

Картину «Сосны, освещенные солнцем» недаром называют одной из самых поэтичных работ Шишкина. Напоенный ароматами и запахами природы, пейзаж пленяет нас очарованием и наполняет ликующей радостью, бодростью.

Описание картины И. И. Левитана «Вечерний звон»

Знаменитое полотно Левитана «Вечерний звон» написано в 1892 году. В этой картине живописец не ставил перед собой задачу точно изобразить конкретное место. Она была создана после посещения двух монастырей – на Волге и под Звенигородом – и отображает состояние души человека, который видит монастырь в лучах заката и слышит колокольный звон…

Торжественна и величава природа в лучах заходящего солнца: и неподвижная широкая река, и розовато-голубое небо с плывущими по нему серебристыми облаками, и густая роща на дальнем берегу. Безмятежный покой не нарушают ни лодка с группой паломников, медленно скользящая по реке, ни два монаха, прогуливающиеся по дальнему берегу, ни лодочник в лодке на переднем плане.

Торжественен и величественен белокаменный монастырь в окружении зеленой рощи. И даже его отражение в широкой реке неподвижно и безмятежно. Монастырь и природа словно слились в одно целое и стали неотъемлемой частью друг друга. Если бы на картине не было храма, пейзаж потерял бы огромную часть своей прелести.

Закончился день. Мы словно слышим, как в прозрачном вечернем воздухе плывет вдоль берега – и исчезает где-то в отдалении — сладкозвучный перезвон церковных колоколов, зовущих людей на вечернюю службу. И окончание дня навевает воспоминания и некоторую печаль.

Картина «Вечерний звон» — одно из самых значительных произведений Левитана. Мы видим блестящую технику письма опытного мастера, но не это в ней главное. В этой картине художник полностью доверяется не мастерству, а настроению. Левитана волновала бесконечная красота окружающего, и во всей этой красоте, во всем вокруг он видел Бога. И волшебная музыка души художника через картину передается зрителю, точно так же чаруя и его сердце.

Описание картины В. И. Сурикова «Переход Суворова через Альпы»

Полотно «Переход Суворова через Альпы» писалось В. Суриковым с 1895 по 1899 год. Произведение продолжает тему воинского героизма русских людей в истории.

Сюжетом для этой исторической композиции послужил факт перехода русской армией альпийского перевала, считавшегося неприступным, во время итальянского похода в 1799 году. Этюды к картине Суриков писал на месте исторического перехода, в швейцарских Альпах.

Главное на полотне – движение. Оно начинается вдали, в ущелье. Приближаясь к переднему плану, движение нарастает. А передняя группа воинов показана в момент стремительного лавинообразного спуска. Живописец рисует грозную природу Альп, подчеркивая этим сложность и героизм перехода. Вертикальное расположение холста позволило максимально концентрированно показать небольшое пространство отвесной скалы и усилить ощущение стремительности движения.

У самого края отвеса – полководец Александр Суворов. Еле сдерживая коня на краю пропасти, он шуткой подбадривает воинов. Сколько энергии в его фигуре, сколько живости в его лице! Несколько солдат заразительно смеются в ответ, идущие за ними – повернув головы, вслушиваются в разговор. Солдаты на переднем плане картины заняты спуском – им уже не до шуток.

Тщательно передает Суриков все детали исторической эпохи: одежду, мундиры, вооружение. Замечательно прорабатывает выражения лиц воинов. Все по-разному переживают напряженность момента. Лица большинства напряжены, сосредоточенны. Несмотря на смертельную опасность, они остаются верны своему воинскому долгу и проявляют настоящую храбрость. Их объединяет стремление преодолеть перевал и победить.

Картина Сурикова «Переход Суворова через Альпы» показала русское войско, как единую нераздельную силу. И, конечно, главное в картине – изображение подвига народа, его героизма.

Описание картины И. Н. Крамского «Христос в пустыне»

Картина «Христос в пустыне» написана И. Крамским в 1872 году. В творчестве художника она занимает особое место – в ней он пытается ответить на мучивший его вопрос о смысле жизни, о принесении себя в жертву во имя добра и справедливости. Работа над произведением заняла целое десятилетие – образ Христа вырисовывался в сознании художника не сразу, а постепенно, набирая силу и глубину.

На полотне – панорамное изображение бескрайней каменистой пустыни. Кажется, здесь никто не ходил раньше. Видимо, Христос всю ночь брел по пустыне и только под утро, совсем усталый и измученный, опустился на камень.

Первые лучи утреннего солнца уже осветили землю, но Христос остается безучастным к красоте просыпающейся природы. Голова его опущена, и он ничего не видит перед собой – следы глубоких раздумий и переживаний видны во всем его облике.

Полотно «Христос в пустыне» написано в холодных тонах, точно передающих атмосферу рассвета, когда ночная мгла постепенно разбавляется утренними красками. Картина поделена линией горизонта пополам, и одинокая фигура человека, сидящего на голом камне, словно господствует на ней.

Ноги Христа изранены, руки мучительно сжаты, фигура сгорблена. Одежда Христа написана сдержанно, скупо, и это позволяет художнику сделать образ убедительнее, выделив лицо и руки героя. В них – не только страдание, но и невероятная сила воли, а также решимость идти по пути, ведущему к Голгофе. В возвышенном образе Христа глубоко верующий Крамской выразил свои сокровенные мысли, а многие даже видели в облике Христа черты самого художника.

В основе картины «Христос в пустыне» — мучительные размышления автора на тему служения людям, готовности к подвигу. Возможно, Крамской хотел сказать, что вся сила мира находится в этом существе, под рубищем – и она в смиренной простоте и самоотверженности.

Описание картины В. Г. Перова «Охотники на привале»

Василий Григорьевич Перов – один из самых выдающихся русских художников. Все его произведения проникнуты глубокой жизненной философией и психологией. Не стала исключением и картина «Охотники на привале», написанная мастером в 1871 году.

Полотно, созданное Перовым, наполнено глубоким скрытым смыслом и в то же время показывает обычную жизнь русских охотников. Идея автора воплощена технически совершенно: каждая деталь переднего плана «охотничьего» натюрморта качественно обрисована, а фон, изображающий затянутое облаками небо и бескрайнее болото, покрытое пеленой тумана, немного размыт с целью сфокусировать внимание смотрящего на фигуры троих охотников.

Мастер создал картину, пропитав её глубоким знанием человеческой психологии. Чтобы это понять, достаточно взглянуть на лица и экспрессивную жестикуляцию каждого персонажа, которые, кстати, были написаны Перовым со своих хороших знакомых.

Создаётся впечатление, что описанная на полотне сцена – живая: охотники после результативной охоты ярко обсуждают прошедшие события. Охотник, находящийся слева, рассказывает своим товарищам о неожиданной встрече с большим диким зверем, которого, видимо, ему одолеть не получилось, поскольку среди дичи художник изобразил только зайца, утку и куропатку, к тому же об этом свидетельствуют удивлённое выражение лица охотника, сидящего напротив, и задумчивая ухмылка третьего охотника.

Глядя на картину, сразу можно понять характер и чувства каждого из изображённых на ней персонажей. Мимика и жестикуляция охотников продуманы и очерчены настолько совершенно, что смотрящий невольно становится свидетелем происходящего. Мастерство художника потрясает, заставляет окунуться в придуманный его богатым воображением и написанный гениальной рукой мир.

Описание картины И. И. Шишкина «Дождь в дубовом лесу»

Картина «Дождь в дубовом лесу» написана И. И. Шишкиным в 1891 году. Это было время его творческого расцвета. Полотна данного периода жизни художника отличаются многогранностью образов и разнообразием мотивов. «Дождь в дубовом лесу» — одно из самых совершенных произведений художника, поражающее тщательной продуманностью сюжета и блестящей техникой исполнения.

В картине «Дождь в дубовом лесу» Шишкин предстает мастером станковой живописи. В полной мере художник смог показать, с какой виртуозностью он владеет кистью и умеет передать все оттенки цвета, игру света и тени.

Перед нами – дубовая роща во время теплого летнего дождя. Сырой воздух леса свеж и прохладен. Художник верен себе – он по-прежнему точен и объективен в изображении каждого нюанса, каждой детали. С огромным мастерством художник передает глубину пространства. Оно погружено в дождливую мглу, и если на переднем плане деревья видны отчетливо, то на заднем проступают лишь размытые их контуры. Утонченная зеленовато-серебристая гамма полотна выписана в самых тонких оттенках.

Сквозь полупрозрачную пелену сквозь облака в рощу проникает луч солнца. Стремительно проходя сквозь сырые ветви и листву, он окрашивает золотом стволы дубов и разбивается на миллион лучиков в лужах. Несколько прохожих, поддавшись очарованию ненастья, неспешно бредут по лужам. Да и не сам ли автор шагает впереди, подняв воротник легкого пальто и заложив руки в карманы?

Надо отметить, что полотно «Дождь в дубовом лесу» выпадает из череды картин художника, написанных в последние годы жизни, — эпических и даже несколько суровых по складу. Это – картина, в которой Шишкин будто забыл о тяготах и невзгодах, и с помощью таланта и вдохновения просто показал дивную прелесть окружающего мира.

Описание картины В. А. Тропинина «Кружевница»

Полотно «Кружевница» относится к числу самых известных полотен В.А.Тропинина. Оно было написано в 1823 году – в год, когда крепостной 47-летний художник получил вольную. «Кружевница» была тепло встречена и критикой, и публикой, и стала большим явлением в русском живописном искусстве.

Перед нами – новый тип жанрового портрета, он посвящен образу труженицы и ее кропотливому труду. Тропинин запечатлел один миг из жизни молодой крепостной девушки, занимающейся рукоделием.

Миловидное лицо рукодельницы, прервавшей на мгновение свое занятие, чтобы взглянуть на вошедшего, приветливо и дружелюбно. Весь облик девушки как будто говорит, что труд ей совсем не в тягость.

В картине «Кружевница» в полной мере раскрылся живописный талант Тропинина. Мы видим уверенный рисунок, грамотное освещение, естественный колорит. Для своей героини художник выбирает светлые тона, вводя в них серебристые и сиренево-серые оттенки. Тщательно и с любовью выписывает живописец предметы мастерства рукодельницы – коклюшки и часть кружевного полотна.

Художник идеализирует свою героиню, делая ее мало похожей на крестьянку. Может показаться, что ее руки чересчур нежны, во взгляде читается кокетство, а движения нарочито грациозны. Но художник заставляет зрителя поверить в простоту и скромность девушки, в благородство ее натуры. Проза суровых будней остается за холстом, но она, конечно, угадывается зрителем – в робком движении плеч, в некоторой скованности позы молодой крестьянки.

В своей картине В.А.Тропинин воспевает гармонию и чувство внутреннего достоинства, присущее человеку труда и сохраняемое им на протяжении всей жизни, не взирая ни на какие условия уродливого быта.

Описание картины В. М. Васнецова «Богатыри»

Одним из самых известных произведений творчества В. М. Васнецова является написанное в 1881-1898 годах огромное полотно под названием «Богатыри».

Эта картина интересна тем, что между задумкой её сюжета в виде эскиза, выполненного карандашом, и законченным его воплощением на масштабном холсте прошло почти тридцать лет. Даже в оконченную работу, выставленную для всеобщего обозрения, художник периодически делал поправки.

Композиция картины, состоящая из могучих фигур трёх всадников, великих защитников Руси – Добрыни Никитича, Ильи Муромца и Алёши Поповича — создавалась мастером с натурщиков, облачённых в кольчуги древнерусских воинов.

В роли Ильи Муромца выступил обычный владимирский крестьянин с богатырской внешностью. В образе Добрыни Никитича художник соединил черты собственного автопортрета и портретные образы своего отца и В. Д. Поленова. Для образа Алёши Поповича мастеру кисти позировал молодой крестьянин.

Образы каждого героя великолепно подобраны и тонко передают характер каждого из них. Под стать им оказываются и кони. На полотне отчётливо видно, что поведение богатырских коней схоже с характером их хозяев.

Так, могучий вороной конь грозного Ильи Муромца бесстрашно смотрит налившимся кровью глазом прямо перед собой, белый конь обходительного и хитрого Добрыни Никитича смотрит вдаль и принюхивается к лёгкому дуновению ветра, а рыжая низкорослая лошадь удалого богатыря Алёши Поповича тихо щиплет траву, поглядывая по сторонам.

Фон данного художественного творения представлен высокими холмами, покрытыми невысокой хвойной растительностью и густыми травами с большими валунами, раскинувшимися под хмурым, затянутым облаками небом.

Величественная сцена, изображённая Васнецовым на холсте, создаёт впечатление бесстрашной неистовой силы, готовой в любое время оберегать народ и просторы родной земли.

Описание картины В. В. Верещагина «Наполеон на Бородинских высотах»

Около 20 полотен В. В. Верещагин посвятил Отечественной войне 1812 года. Над этими картинами художник работал в период с 1887 по 1901 год. Живописец стремился, с одной стороны, показать великий патриотический дух русской армии, ее героизм в борьбе с французами, а с другой – развенчать Наполеона, снять его с пьедестала «героя».

В серии картин, посвященных Отечественной войне 1812 года, выделяется полотно «Наполеон на Бородинских высотах», написанное в 1897 году. На полотне – изображение Бородинского сражения 26 августа 1812 года. В процессе битвы Наполеон почти все время находился в своей ставке у Шевардина. Художник изобразил императора сидящим на походном стуле. Нелегко у него на душе, он кажется очень сосредоточенным и погруженным в себя.

За Наполеоном – свита и штаб, а затем — гвардия в парадной форме. Его маршалы напряженно всматриваются вдаль – туда, где происходит сражение. Некоторые гвардейцы увлеченно обсуждают что-то постороннее. Тщательно, с документальной точностью, выписаны художником военные мундиры приближенных императора, их оружие.

Известно, что Наполеона упрекают в том, что в Бородинском сражении он был недостаточно энергичен и решителен. Действительно, в этом бою он не подвергал себя опасности, не рисковал сам и не решился рискнуть своей гвардией – то есть вел себя больше как император, нежели как генерал. Победитель в Бородинском сражении так и не был окончательно назван, потери обеих сторон были невероятно велики. Сам Наполеон говорил, что под Бородином «выказано наиболее доблести и одержан наименьший успех».

Историческая эпопея Верещагина, посвященная Отечественной войне 1812 года, в том числе и полотно «Наполеон на Бородинских высотах», не только знакомят нас с историческими событиями, но и заставляют задуматься о трагедии огромного количества всех втянутых в войну людей – и русских, и французов.

Описание картины И. Е. Репина «Стрекоза»

Среди портретов И. Е. Репина в особую группу можно выделить портреты членов семьи живописца. В них он много экспериментирует, поскольку пишет их «для себя». Один из самых известных таких портретов – «Стрекоза», написанный художником на даче под Петербургом в 1884 году. На портрете Репин изобразил свою старшую дочь Веру Репину.

Картина оставляет впечатление бытовой сценки, случайно подсмотренной автором. Композиция холста чрезвычайно проста. Мы видим девочку, которая весело покачивая ножками, сидя на высокой перекладине штакетника. Она действительно напоминает стрекозу, которая сидит на цветке и помахивает прозрачными крылышками. Поза девочки естественна и свободна, исполнена живости и задора. Вот-вот непоседа и озорница соскользнет вниз и весело убежит прочь.

Шляпка, забавно закрепленная ленточкой под подбородком, серьезно-задорный взгляд темных глаз, солнечные зайчики на лице и шее – все эти детали добавляют облику непосредственности, увлекают нас в мир детских игр и грез. Художник откровенно любуется непринужденностью и обаянием юного существа, его беззаботной радостью жизни.

Все пространство на полотне – и сам воздух, и пестрое, в легких складочках, платье девочки — словно пропитано солнцем. За спиной ребенка – ясное летнее небо, чуть подернутое белизной облаков. Внизу на холсте чуть обозначены тонкой кистью высохшие травинки луга. Полотно достаточно активно по колористическому решению, но оттенки цвета – пастельные, нежные.

Стилистически картина «Стрекоза» отличается от большинства репинских картин. И техника письма, и трактовка образа, и ощущение сиюминутности происходящего здесь очень напоминают импрессионистические. В картине Репину удалось создать образ, в котором много тепла, нежности, любви.

Описание картины И. К. Айвазовского «Море»

Всю жизнь объектом неослабевающей любви для Айвазовского оставалось море. Его картины – своеобразная морская энциклопедия, из которой можно в подробностях узнать, как выглядит и как ведет себя морская стихия в любое время суток, в любое время года и при любой погоде.

Картина «Море» создана Айвазовским в 1853 году, в период бурного подъема его творческой активности. Картина хорошо отражает непосредственность чувств художника и тот романтический настрой, которым было проникнуто его творчество в данный период жизни.

На картине мы видим вид на Коктебельскую бухту во время заката. Почти всю площадь холста занимает изображение взволнованного моря и высокого, в пышных облаках, неба. Вдали виднеется изящный силуэт легендарного Кара-Дага. На небе уже показался тонкий серп месяца. Все вокруг залито золотисто-розовым светом заходящего солнца.

Неторопливо накатывают на берег волны. Воздух свеж и прозрачен. Небольшой парусник, борющийся с усиливающимся ветром, подчеркивает романтическое настроение полотна.

Полотно «Море» отличается законченностью композиции и высоким мастерством исполнения. Айвазовский искусно передает прозрачность зеленоватой волны. Когда она набегает на берег, сквозь кружево ее пены хорошо виден прибрежный песок.

Яркая, артистически выполненная, картина «Море» относится к числу самых выразительных и совершенных картин художника.

Описание картины И. И. Левитана «Весна. Большая вода»

Полотно Исаака Левитана «Весна. Большая вода» написано в 1897 году и относится к числу самых значительных произведений художника.

На полотне мы видим реку в момент половодья, когда вода затопила прибрежные области – и березовую рощицу, и поля, и часть деревни. В реке, спокойной и неподвижной, как в зеркале, колеблясь, отражается и весеннее голубое небо, и тонкие голые стволы и ветви деревьев.

На переднем плане – забытая лодка, а где-то очень далеко – высокий берег со скромными деревянными избами и несколько затопленных деревенских построек. Искусно написана Левитаном узкая полоса желто-рыжего берега – красиво изгибаясь, он уводит взгляд зрителя вглубь картины.

Каждое деревце, изящное, трепетно-изогнутое, написано художником с любовью и восхищением. Словно живые, трогательно и доверчиво ожидают березки чего-то хорошего, что принесет им весна. Любуясь тянущимися вверх тонкими березками и осинками, звонким высоким небом с тонкими облаками, как будто растворяешься в свете этого яркого солнечного дня.

Пейзаж наполнен светлыми, чистыми красками, характерными для весенней русской природы. Колорит полотна образован тончайшими переходами оттенков: голубого, зеленого и желтого. Самым разнообразным является голубой цвет – для изображения неба и воды Левитан выбирает самые разнообразные оттенки: от молочно-белого до темно-голубого. Желтые стволы берез и их чуть дрожащие в воде отражения сообщают картине трепетность, «воздушность».

Картина Левитана «Весна. Большая вода» проникнута тонким лиризмом и поэзией, она необыкновенно музыкальна. Полотно рассказывает о весеннем воскресении природы, и большая светлая радость исходит от него, наполняя нас оптимизмом, спокойствием и желанием жить.

Описание картины В. М. Васнецова «Снегурочка»

Всё творчество Виктора Михайловича Васнецова проникнуто духом русского фольклора. Живописец своими произведениями желал отразить всю ту духовную силу и красоту, которыми обладает русский народ.

Васнецов ещё в начале 80х гг. 19 века занялся оформлением пьесы «Снегурочка», поставленной по мотивам одноименного творения А. Н. Островского Абрамцевским кружком. В 1885 г. живописец принял участие в оформлении постановки оперы Н. А. Римского-Корсакова «Снегурочка».

Всё это вдохновило Виктора Михайловича на воплощение образа ледяной красавицы в своём изобразительном творчестве. Картина была закончена в 1899 г.

На первом плане видна сама героиня. Прообразом для неё стала Сашенька, дочь Мамонтова. По преданию Снегурочка, родившаяся в дремучем лесу, – ребёнок Мороза и Весны. Она одета в длинное пальто белого цвета, украшенное узорами, бледные варежки и шапку. Фигура размещена не по центру картины, а несколько сбоку. Руки разведены, голова повернута немного вправо, туловище расположено по диагонали, сзади видны следы на снегу – всё это создаёт впечатление, что персонаж только что вышёл навстречу зрителю, и растерянно озирается по сторонам.

Как отмечал Н. А. Ярославцев, в её образе тесно сплетается небесное и земное. Как все иные персонажи Васнецова, Снегурочка отражает идеал красоты, «чистой заснеженной России», и природа полностью повторяет настроение героини. Неизвестный лес, раскиданные ёлочки, мрачное, но лунное небо и искрящийся под луной ярким блеском снег.

Интересно, что фигура Снегурочки как будто освещается не сверху, а снизу, от снега. Всё окружающее создает общее впечатление волшебства и загадочности. Для написания картины использовалась холодная гамма цветов – белые, серые и голубые оттенки, что очень тонко подчёркивает таинственность происходящего.

Описание картины И. И. Левитана «Март»

Картина «Март» — общепризнанный шедевр Исаака Левитана, настоящее событие в русской живописи. Полотно написано в 1895 году, во время поездки в имение Турчаниновых.

Картина писалась стремительно, в несколько сеансов, без подготовительных этюдов. Оказалось, что до Левитана ни один художник не показывал раннюю весну так ярко и живописно. Зато впоследствии мотив ранней весны стал излюбленным в творчестве многих живописцев.

Кажется, теперь картина «Март» известна каждому школьнику. Все мы помним этот рыхлый тающий снег с удивительными прозрачно-синими тенями, тянущиеся к ярко-синему небу тонкие рыжие ветки берез и осин, ярко-желтую от солнца стену дома… И, конечно, мохнатую лошадку, пригревшуюся на солнышке возле крыльца усадьбы. Кажется, что нет ничего проще этого пейзажа. Но сколько в нем безыскусной, сладкой и нежной мелодии, тонкого и тихого очарования!

Настроение пробуждающейся природы Левитан передал, главным образом, через изображение мартовского солнца – ослепительно яркого, радостного, лучезарного. Снег на картине тоже удивительный — его состояние Левитан передает с помощью множества цветовых оттенков — снег как будто дышит, блестит и тает прямо на глазах.

Природа на картине изображена без лишних подробностей, словно «крупным планом». Экспрессивность цветовой гаммы «Марта» и некоторые приемы письма напоминают те, что использовали в своем творчестве импрессионисты. Но, в отличие от них, Левитан сохраняет цвет каждого изображаемого объекта и заботится о предметной ясности изображения.

Пейзаж «Март» Левитана – один из самых поэтических в мировой живописи. Сам бесконечно влюбленный в тихую прелесть русской природы, художник позволяет и нам прикоснуться к чарующему ее обаянию, услышать песню ее весеннего пробуждения.

Описание картины И. И. Шишкина «Дубы»

Картина «Дубы» — один из самых знаменитых пейзажей И. И. Шишкина. Полотно было написано в 1887 году парке Дубки недалеко от Петербурга. Этот холст – превосходный образец пленэрной живописи, которой живописец в те годы был очень увлечен. Именно в процессе прямого общения с природой он постигал ее тайны и учился мастерству.

Дубы и сосны – эти деревья более других любил рисовать Шишкин. Художник признавался, что сосны нравились ему своим изяществом, а дубы – мощью, заключенной в них. О любви художника к этим деревьям свидетельствует и полотно «Дубы».

В картине Шишкин уделил особое внимание общему колориту, светотеневой «аранжировке», но при этом сохранил простоту и реалистичность предметного изображения. Замечательно передано на полотне общее освещение. На картине мы видим освещенную солнцем поляну и группу старых дубов – мощных и коренастых.

Узорчатые листья деревьев где-то ярко вспыхивают на солнце, а где-то погружены в полумрак. Мы наблюдаем, как через зелень пышной дубовой кроны просвечиваются участки летнего синего неба. Невесомые тени скользят по стволам и кронам деревьев и легко ложатся на зеленую поляну.

Картина «Дубы» — очень свежая, сочная, колоритная. Реалистичность изображения сочетается в ней с тончайшей передачей оттенков света, и это придает ей невероятную выразительность.

Это полотно, как и многие другие произведения И. И. Шишкина, показывает, какими содержательными и волнующими могут быть окружающие нас пейзажи. Художник учит всех нас не просто любить родную природу, но и глубоко ее чувствовать.

Описание картины И. И. Левитана «Золотая осень»

Осень – самое любимое время года Левитана, и больше всего картин художник посвятил именно осени. Одно из самых известных полотен – «Золотая осень» — написано в 1895 году.

Пожалуй, эта картина не является типической для художника – слишком она яркая, мажорная, смелая. Любопытно, что сам художник не был до конца ею удовлетворен, и через год написал другую – с тем же названием, но совсем другую по настроению.

Картина «Золотая осень» дает ощущение жизненной энергии, внутренней напряженности, всплеска чувств. Художник изобразил уголок природы с бегущим ручейком и березовой рощицей на берегу. Стоит великолепный солнечный осенний день. Воздух прозрачен и свеж, в нем ещё разлито тепло. Торжественный покой царит во всей природе: прозрачна ясность далей, неподвижна листва на деревьях и по-осеннему спокойна вода в речке.

Праздничное, возвышенное настроение поддерживается цветовым великолепием картины. Медно-золотое убранство рощи, сверкание опадающих листьев, красноватые ветки кустарника на фоне синеющей реки, яркая зелень озими и голубизна неба – все это «бурление красок» заставляет прочувствовать приподнятое настроение яркого осеннего дня. Картина написана с мастерством зрелого художника, отличается смелым, энергичным письмом без тщательной отделки формы предмета, сложными цветовыми решениями.

«Пышное природы увяданье» — эти пушкинские строки как нельзя лучше характеризуют этот шедевр Левитана. Картина «Золотая осень» передает торжество природы во всем ее великолепии. Полотно отличается тонкостью и глубиной изображения и знаменует высшее достижение в развитии русского «пейзажа настроения».

Описание картины В. Е. Маковского «Свидание»

Знаменитая картина В. Маковского «Свидание» была написана в 1883 году. Она является типичным произведением «передвижников» и посвящена теме обнищания деревни и нелегкой жизни народа. Драматизм произведения, как это часто бывает у В. Маковского, смягчен лирическими нотками.

Сюжет картины прост. Мать-крестьянка пришла на свиданье к сыну, отданному в город в подмастерья. Мать и сын не смотрят друг на друга. Внимательному зрителю эта немая сцена расскажет многое.

Лицо мальчугана лет тринадцати серьезное и бледное. Он босоног, хотя на дворе зима, в грубых штанах, грязной рубахе и фартуке. Мальчик жадно набросился на принесенный матерью свежий калач.

Изможденное лицо женщины выражает нежность и умиление. Поза и весь грустный облик выдает то тяжелое чувство, которое испытывает она при редких встречах с сыном. Понятно, что отдать сына в город на обучение ремеслу ее заставила глубокая нужда.

Настроение, эмоциональный строй картины подчеркивается ее колоритом. Самыми скромными красками В. Маковский рисует убогую одежду и нищую, безрадостную обстановку: деревянные стены, потемневшие от времени, земляной пол. С глубокой проникновенностью пишет художник лица матери и сына. Тяжелая жизнь наложила на них свой отпечаток. Глядя на хмурое, не по годам серьезное лицо мальчика-подростка, вспоминаешь Ваньку из рассказа А. П. Чехова.

В.Маковский изобразил типичный случай из жизни простых людей, заставляя нас сопереживать и сочувствовать их горю и страданиям.

Описание картины А. И. Куинджи «Радуга»

Картина «Радуга» — одна из самых замечательных в творчестве позднего А. И. Куинджи. В картине, работа над которой продолжалась пять лет (1900-1905 гг.), Куинджи запечатлел наиболее эффектное, зрелищное мгновенье в природе – момент, когда над омытой дождем землей вспыхнула многоцветьем радуга.

На картине изображена ничем не примечательная местность – широкая степь, дорога. Простой уголок природы Куинджи показывает в «очищенном», идеальном виде. Художник сумел передать ощущение свежести омытой дождем земли.

Над изумрудно-зеленой равниной между туч, оставшихся после ливневого дождя, вспыхивает удивительная по красоте радуга. Изогнувшись, как воздушный мост, реальная и иллюзорная одновременно, радуга создает удивительное настроение воодушевления, восторга, веры в неизменную красоту природы.

Картина дает почувствовать беспредельность пространства, величественность неба, рождает ощущение покоя, умиротворенности. Такого эффекта Куинджи добивается с помощью грамотно построенной композиции, обеспечивающей ощущение простора, торжественности, и особой декоративности цветовой гаммы картины. Мастерское использование ярких красок и их сочетаний позволяет Куинджи создать иллюзию глубины воздушной среды.

Романтически возвышенная, картина «Радуга» Куинджи снова и снова восхищает зрителей, напоминая каждому из нас о величии природы и мироздания.

Описание картины И. И. Шишкина «На севере диком»

Картина «На севере диком» написана И. И. Шишкиным в 1890 году по мотивам стихотворения М. Ю. Лермонтова «Сосна». Полотно носит отпечаток романтической живописи Куинджи, с которым Шишкин в тот период своей жизни был очень дружен.

Так же, как и в стихотворении Лермонтова, в картине мощно звучит тема одиночества. На неприступной голой скале, посреди кромешной тьмы, льда и снега, стоит одинокая сосна. Луна освещает мрачное ущелье и бесконечную даль, покрытую снегом.

Кажется, в этом царстве холода нет больше ничего живого. Но наперекор морозам, снегам и ветрам дерево живет.

Гордо, с достоинством стоит могучая сосна. Как богатая риза на плечах священника, тяжелые хлопья сверкающего снега лежат на могучих ее ветвях. На макушке сосны шапка снега как будто сливается с бегущими по грозовому небу облаками. Мы ощущаем царящее вокруг безмолвие и сгущающийся мрак.

О чем мечтает, о чем грезит сосна? Может быть, о далекой родной душе, такой же одинокой и возвышенной? Мы не знаем этого, но чувствуем, что нет в мире такой силы, которая сможет сломать сосну, подчинить ее себе.

Вообще у Шишкина мало «зимних» картин. Картина «На севере диком» — один из самых ярких примеров обращения художника к зимнему пейзажу. Мы видим, что суровый нрав севера пленяет художника своей красотой и силой. Используя богатую палитру оттенков, он мастерски передает и состояние зимнего оцепенения, и чувство гнетущего одиночества.

Полотно «На севере диком» передает те же чувства, что и стихотворение великого поэта, но другими средствами – с помощью живописи. Наверное, автор стихотворения по достоинству оценил бы великий талант Шишкина.

Описание картины И. Е. Репина «Портрет Мусоргского»

Портрет Мусоргского был написан Репиным в марте 1881 года всего за несколько коротких сеансов. Композитор был в это время уже смертельно болен и находился в Николаевском военном госпитале. Этот портрет относится к числу самых замечательных произведений Репина-портретиста, поскольку отличается абсолютным отсутствием предвзятости, необыкновенной жизненностью и объективностью.

Композитор изображен на полотне непричесанным, в оливковом, с малиновыми отворотами, халате, из-под которого видна расстегнутая рубашка. Человечность, гениальная сила и творческий гений Мусоргского видны сквозь внешнюю некрасивость, которую сообщила ему тяжелая болезнь.

Поразительно написаны глаза композитора, в них – одновременно сосредоточенное, серьезное и какое-то отсутствующее выражение. Все лицо полно задумчивой печали и глубокой человечности.

Портрет Мусоргского был признан новаторским – и по замыслу, и по характеру живописи. Репину удалось создать образ цельный, законченный, точно переданный через множество характерных черт и деталей. Он не разворачивается перед зрителем постепенно, а раскрывается сразу. Техника живописи в этом портрете, сложная и замысловатая, сохраняет трепетность этюда. Колорит полотна – светлый, прозрачный, легкий. Одежда, формы лица, тела «вылеплены» энергичным, широким мазком.

В общей трактовке образа композитора Репин выявляет глубокое понимание художником портретируемого. Все, кто знал композитора, признали, что портрет исключительно верно передает весь характер, всю натуру Мусоргского. Художник не прячет недостатков, слабостей великого человека, но показывает, что и в таком неприглядном состоянии, тяжело больной, композитор не теряет своего духовного величия.

Описание картины И. И. Левитана «Березовая роща»

Картина «Березовая роща» была начата И. Левитаном в 1885 году в Бабкине, а закончена в 1889 году в Плёсе на Волге.

В этом полотне в полном объеме нашло свое отражение великое умение Левитана вложить в простой природный пейзаж богатейшую гамму человеческих чувств и переживаний.

Перед нами – изображение уголка березового леса в яркий солнечный день. Художник великолепно передает движение солнечных бликов на белых стволах берез, переливы оттенков зеленой травы и листьев деревьев, сияние искорок белых и лилово-синих цветов в траве. Игра света и теней на картине делает ее живой, трепетной, создает «настроение».

Березки бесконечно рады жизни, и нам даже кажется, что они весело улыбаются солнцу и траве. Все вокруг цветет, излучая чувство радости, причастности к энергии жизни. Зритель словно оказывается посреди благоуханного, нагретого солнцем, леса, под сенью шумящих зеленью берез.

В картине «Березовая роща» Левитан, как никогда, близко подошел к импрессионизму. Импрессионистична композиция полотна, будто уводящая нас вглубь рощи, и динамика изображения, и «техническое решение», и манера письма. С помощью богатой палитры цветов, наложения пятен света и тени Левитан добивается совершенства в передаче световоздушной среды. Картина словно пронизана солнцем, она как будто излучает волшебный изумрудный свет.

Картина «Березовая роща» отличается непосредственностью, свежестью чувств. Именно об этой картине сказал А. П. Чехов, что у нее «есть улыбка». Полотно «Березовая роща» любима многими поколениями людей и воспринимается нами как национальный образ родной природы.

Описание картины В. М. Васнецова «Крещение Руси»

Виктор Михайлович Васнецов, помимо написания картин историко-былинной тематики, известен также работой над произведениями религиозного характера. Одним из таких творений стала фреска Владимирского собора, расположенного в Киеве.

Перед началом работы над данной фреской автор апробировал сюжет на картине, созданной в 1890 году. Работа над хорами во Владимирском соборе проходила в 1895—96 гг.

Помимо Васнецова, в работе над фреской были задействованы Котарбинский В. А и Нестеров М. В.

Основной идеей и картины, и фрески стало осмысление истории становления христианства на территории Древней Руси и включения посредством его принятия великой державы в общую мировую культуру. В данных творениях автор показал момент принятия православия жителями Киевской Руси в водах Днепра. В центре композиции расположена фигура Владимира Святославовича.

В отличие от многих религиозных картин того времени, образ правителя Древней Руси наделен индивидуализированными чертами. Его лик выражает торжественность и серьезное понимание столь серьезного шага: руки подняты вверх, к небу, брови серьезно нахмурены, одеяние празднично расшито золотыми нитками.

Князя окружают представители высшего духовенства, а также простые служители в белых одеждах. Позади него виднеется хор, воспевающий славу Божью, а также верная рать. На фоне белых ряс духовных лиц и золота Великого Князя резко выделяются фигуры представителей простого народа. Они стоят в очереди перед престарелым священником, который проводит обряд крещения.

Задний план представлен светлым облаком, из которого льётся лучами божественный свет. Жители небес, написанные размытыми красками, сверху радуются происходящему.

Описание картины В. И. Сурикова «Боярыня Морозова»

Картина «Боярыня Морозова» — один из шедевров В. Сурикова – написана в 1887 году. Известно, что образ знаменитой староверческой раскольницы был знаком художнику с детства.

Сурикова восхищала самоотверженность женщины, отказавшейся от беззаботной и полной роскоши боярской жизни и вставшей на дорогу борьбы с царской властью и официальной церковью. Власть сослала боярыню в Боровский монастырь, где она через два года умерла в земляной тюрьме. На полотне Суриков представляет победоносный образ несломленной женщины, которую везут в острог.

Картина «Боярыня Морозова» написана в ярких, звучных, колоритных тонах. Ее сюжет уносит нас в 17 век. В самом центре полотна мы видим боярыню, которую везут в санях по улицам Москвы. Женщина одета в дорогую широкую шубу из бархата, но руки ее повязаны цепью. Суриков придал ее образу черты человека, фанатично преданного идее – лицо женщины сурово и бескровно, глаза лихорадочно блестят, рука поднята в двуперстном сложении по старообрядческому канону. Боярыня выкрикивает толпе прощальные слова, в которых, конечно, снова повторяет свои убеждения, за которые готова идти до конца.

Среди окружающей толпы есть те, кто считает ее сумасбродкой, однако большинство переживает все происходящее как трагедию. Многие кланяются ей, глядя на нее с благоговением. Юродивый, одетый грязно и убого, тоже провожает женщину с жалостью. Среди толпы Суриков изобразил и себя – в роли странника с посохом, с сочувствием глядящего вслед боярыне.

Картина «Боярыня Морозова» раскрывает загадочную и полную трагизма русскую душу. Скрытый героизм, который в ней есть, может пробудиться, если есть идея, есть убеждения. Посредством живописи Суриков смог показать, каким самоотверженным и мужественным может быть русский человек.

Описание картины И. И. Шишкина «Зима»

Картина И. И. Шишкина «Зима» написана в 1890 году. Это был отдельный этап в творчестве уже зрелого пейзажиста. В этот период жизни художник обратился к теме, которая раньше его не занимала, — к изображению зимнего оцепенения природы.

Вероятно, виной этому был поиск художником новых сюжетов и приемов письма. В полотне «Зима» живописец решает сложную задачу – передачу едва заметных движений природы с помощью оттенков белого цвета.

Зимний лес скован морозом, он застыл и как будто окаменел. С большим вниманием разработан передний план с несколькими столетними соснами. Их мощные стволы темнеют на фоне ярко-белого снега. Шишкин изумительно схватывает и передает спокойную величавость лесных исполинов. Справа – непроходимая стена мрачного леса. Все вокруг погружено в тень. Но вот редкий луч солнца проникает в царство снега и освещает полянку, окрашивая ее розовато-золотистым цветом.

Мастерски рисует художник безмятежный зимний покой. Ничто не нарушает тишины этого удивительно красивого дня. И даже птица на ветке кажется не живой, а какой-то хрустальной.

С помощью выразительных художественных приемов Шишкин добивается создания монументального собирательного образа зимнего леса. Картина «Зима» исполнена эпического звучания и относится к самым замечательным произведениям великого художника.

Описание картины К.Ф. Юона «Мартовское солнце»

Картина «Мартовское солнце», написанная К.Ф.Юоном в 1915 году, — одно из самых известных в творчестве знаменитого художника.

На этом полотне, показывающем зрителю родную природу Подмосковья, особенности живописи Юона воплощены особенно полно.

«Мартовское солнце» — жизнерадостный пленэрный пейзаж. Живописец запечатлел на полотне то состояние природы, когда еще не растаяли сугробы и хрустит под сапогами снег, но в ярко-голубом небе, в прозрачном воздухе уже носится едва уловимое ощущение весеннего тепла.

Кажется, деревья тянутся к льющемуся с неба свету своими узловатыми ветвями. Солнце еще почти не греет, но ярко озаряет крыши деревянных домиков, раскидистые тополя, высокие березки, создавая бодрое, приподнятое настроение.

Важной частью картины «Мартовское солнце» является жанровая сценка. Действительно, трудно представить себе этот пейзаж без этих лошадок, задорной лохматой собачки и веселых ребятишек.

Картина «Мартовское солнце» развивает традиционную пейзажную тему, давая ей новое толкование. Композиция произведения отличается особенным совершенством. Интенсивность цвета, декоративность полотна не исключает ощущения жизненности, реальности, пространственной глубины.

Яркие краски полотна — сочетания голубого, золотистого, розового, сиреневого – помогают живописцу передать ощущение первого весеннего тепла и света. Все это вместе задает тему пейзажа – тему радостного и торжественного пробуждения природы.

Описание картины А. И. Куинджи «Север»

Картина «Север» была написана А. И. Куинджи в 1879 году. Она входит в серию северных пейзажей великого мастера. В картине художник воспевает суровую природу северной части России.

Зритель как будто смотрит с невысокой возвышенности. На переднем полотне картины – несколько отдельно стоящих на скале сосен. Далее открывается панорамное изображение лесов, теряющихся в рассеянном тумане. Неширокая речушка, извиваясь, уводит взгляд вдаль. Величественная и суровая картина северной природы раскрывается во всей своей мощи и великолепии.

Большую часть полотна занимает изображение неба. Две стихии – земная и воздушная – как будто борются между собой. Неба на картине так много, что земля кажется задавленной океаном из воздуха.

Воздушная среда словно вибрирует под действием света. Куинджи достигает этого ощущения мастерским использованием полутонов, нюансов бледно-розового, золотистого, перламутрового оттенков.

Хотя картину «Север» нельзя назвать импрессионистической, увлеченность импрессионистической техникой здесь налицо. Ее использование помогает художнику передать тончайшую игру света. Если в более ранних картинах художник писал небо плотными и широкими мазками, то в «Севере» он использует легкие мерцающие мазки и прием цветовой прерывистости.

Картина «Север» наполнена большим поэтическим чувством. Она — обобщенный образ северной природы, созданный воображением великого мастера.

Описание картины В. И. Сурикова «Степан Разин»

Картина «Степан Разин» — последняя историческая картина В. Сурикова. Она писалась с 1903 по 1907 годы. Личность Разина, выразителя дум и силы народа, — всегда привлекала внимание людей, на протяжении многих столетий он был героем народного фольклора – легенд и песен.

Возможно, с помощью образа мятежного атамана в картине «Степан Разин» Суриков хотел отобразить протестные настроения народных масс в России в годы перед революцией.

Картина поражает ощущением простора. Воздух на полотне как будто пронизан солнечным светом, и оттого полотно наполнено такой поэтичностью. Художник использовал красивые сочетания красок, которые словно переливаются в лучах солнца. Широка великая русская река. Утренняя тишина. Легко скользит по Волге ладья, освещенная золотистым блеском солнца.

Вольная дружина возвращается с набега на прикаспийские берега. Много добра добыто, и оттого так радостно на душе у казаков. Наполняется чарка, кругом песни и разгул. Один подгулявший казак уснул прямо на корме. Только атаман Степан Тимофеевич не весел – он полулежит под широким парусом, опершись на богатое восточное седло, и тяжелая дума омрачает его чело. О чем думает он, понять трудно.

Сурикову удалось показать внутреннюю напряженность этого мятежного человека. Вероятно, он думает о России и мечтает, что где-то там, за горизонтом, куда они направляются, будет совсем другая жизнь. За атаманом на полотне — несколько гребцов, одетых в простые одежды. Они заняты тяжелым делом и фигуры их напряжены.

Куда движется ладья, напоминающая летящую птицу? К заманчивой мечте, которая спрятана за тонкой линией горизонта, к недостижимой цели. Разин – мечтатель, и его мечты о справедливом мироустройстве останутся лишь сказкой. Наверное, Суриков понимал, что заманчивый идеал невозможен — ни взметнувшиеся весла, ни парус не помогут долететь до желанного берега.

Описание картины И. И. Левитана «Тишина»

Картина «Тишина» написана Исааком Левитаном в 1898 году. Она не пользуется широкой известностью, тем не менее, является признанным шедевром позднего периода жизни художника.

В эти годы для Левитана было характерным обращение к «сумеречной» теме, и картина «Тишина» тоже посвящена удивительному времени, когда день уже умер, а ночь еще не началась. Созданию полотна предшествовала длительная работа с этюдами, и благодаря этому на полотне художник сумел точно воспроизвести настроение умиротворенности и тишины.

Левитан показывает мудрое молчание природы, ожидающей приближение ночи. Ночь еще не полностью вступила в свои права. Медленно опускаясь на землю, она приносит с собой покой и умиротворенность. Неподвижна река, отражающая сумеречное потемневшее небо с косматыми облаками и желтой луной. На дальнем берегу неподвижно застыла деревенька, а возле нее — пашня и рощица.

Художник использует в картине довольно насыщенную цветовую гамму. Полотно может показаться слишком декоративным благодаря сочетанию очень сочных красок: коричневой деревеньки, рыжих берегов и свинцового неба и воды. Художник использует свободный, широкий и мягкий мазок, тончайшие оттенки и переходы цвета. Левитан избегает подробностей – они как будто скрыты ночной мглой – и стремится к простоте мотива.

Все эти художественные приемы помогают добиться обобщенности и выразить самое главное, что есть в жизни, в природе. Картина «Тишина» — это глубокий и сложный рассказ о жизни природы. В ней – ясность и мудрость большого художника, осознавшего красоту и гармонию окружающего мира.

Описание картины И. И. Левитана «Мостик. Саввинская слобода»

Картина «Мостик. Саввинская слобода» написана И. Левитаном в 1884 году. Это удивительно лиричный пейзаж с богатым внутренним содержанием. Невзрачный мотив деревенских задворок рука великого мастера превратила в настоящую лирическую новеллу.

На переднем плане картины мы видим простой бревенчатый мостик через небольшой журчащий ручеек, убегающий куда-то вдаль. За заднем плане — небольшие деревенские домики, дрова, в беспорядке разбросанные вокруг. Видно, работник отлучился куда-то ненадолго.

Яркий солнечный день, все вокруг утопает в молодой пышной зелени. Сам воздух – светящийся, мягкий. Мостик отбрасывает тень на окружающую зелень, на ручеек, и все вокруг переливается в лучах яркого солнечного света. Казалось бы, обычный мостик, обычные дрова – а сколько в них красок, сколько поэзии!

Пейзаж «Мостик. Саввинская слобода» словно насквозь пронизан солнечным светом. В этом произведении Левитан добивается необычной звучности цвета, особого сочетания красок и особенной цветопередачи. Эта солнечность, лучезарность, прозрачность воздуха придают обыкновенному деревенскому пейзажу особое поэтическое настроение, лирическое обаяние и одухотворенность.

Глядя на полотно, мы вместе с художником восхищаемся гармонией природы, радующейся весеннему обновлению, и учимся понимать ее душу.