С научной точки зрения художник это

Говоря об искусстве, мы очень ограничиваемся его эстетическим значением, задаваясь вопросом, как оно воздействует на чувства, психику, сознание. Хотя восприятие искусства – это гораздо более сложный процесс. Зои Капула, директор по науке в области когнитивной нейрофизиологии Национального центра научных исследований Франции, уверена, что мы реагируем на искусство в первую очередь физиологически и только затем формируется эмоциональный отклик. В рамках интервью перед лекцией на семинаре Art&Science: Наука. Искусство. Музей, который проходит каждую субботу месяца в Эрмитаже, она рассказала, почему важно изучать искусство с точки зрения науки, почему именно в музеях эстетическое чувство сильнее и почему полезно посещать галереи, даже если вы ничего не смыслите в художественных произведениях.

Почему нейрофизиология эстетики – это важно?

Произведение искусства содержит некоторые конфликты, которые являются результатом исследования художника. Каждый художник использует уникальные методы, чтобы показать их, и произведения искусства дают нам уникальный физиологический стимул, воздействуют на мозг. Когда мы видим какой-либо предмет искусства, активируются определенные зоны коры головного мозга. Конфликтные ситуации и скрытые пространства в картине обостряют наше зрение и восприимчивость, тем самым тренируя мозг и физиологические способности тела. Художественное произведение приводит к ряду сенсомоторных активаций в теле, мозгу, оно может способствовать лучшему ощущению себя, мира, то есть обладать лечебным действием. Поэтому нередко при шизофрении, деменции, дислексии, проблемах с равновесием и концентрацией и других патологиях можно будет применять технологии терапии с помощью искусства. Это растущая сфера. Поэтому надо продемонстрировать, как это работает с научной точки зрения.

Как начали изучать физиологию восприятия искусства?

Классические опыты по тому, как именно человек воспринимает изображения, поставил советский ученый Альфред Ярбус в начале 60-х годов. Сейчас на его работы ссылается каждый, кто исследует этот вопрос. Ярбус просил испытуемых рассматривать произведение Ильи Репина «Не ждали». На глазном яблоке всех участников эксперимента ученый укрепил маленькое зеркальце. Отраженный от него световой зайчик стал писать на фотобумаге след движения глаз. Таким образом, на бумаге появлялся узор из линий, а также точек, которые обозначали место, где человек задерживал взгляд. Ярбус задал очень важный вопрос: почему происходит движение глаз: человек ищет определенные предметы или это композиция картины заставляет глаз двигаться определенным образом? Он сделал ряд открытий. Самое важное состояло в том, что глаза смотрят на картину избирательно. Даже если человек стоит перед полотном полчаса, то он не будет рассматривать всю картину, а будет возвращаться к определенным точкам, фиксируя взгляд. Получается, существует стратегия восприятия, которая формируется очень быстро. Важно также, что она частично определяется элементами картины и тем, что зритель хочет найти в картине. Так, Ярбус просил испытуемых найти на изображении разные элементы, например, старых людей или признаки роскоши, и в результате получал совершенно разные «узоры взгляда». Взгляд задерживался на наиболее важных элементах картины в том или ином случае.

Зои Капула

Какие физиологические процессы активируются при восприятии картины?

Особенное значение имеет то, как движутся наши глаза и что происходит с телом в это время. В этих исследованиях очень важно учитывать временной аспект и регистрировать, как перемещается взгляд и колеблется тело в течение первых 3-5 секунд рассматривания картины. Ведь когда мы ходим в музеи, то проводим перед каждой картиной в среднем всего 17 секунд. Каждый раз, когда мы перемещаем взгляд, центральная нервная система дает физиологический сигнал, команду смотреть туда или сюда. Это помогает запомнить картину, то есть она воспринимается и с помощью физиологического опыта. Мы проводили опыт. Сначала мы просили художника рассмотреть картину. Потом убирали полотно и просили художника мысленно представить картину и при этом рассмотреть ее глазами. Оказалось, что линии взгляда при наблюдении реальной картины и воображаемой отличались незначительно. Движение глаз – это моторная основа восприятия изображения и памяти о нем. Кроме того, о многом в восприятии человеком объектов искусства говорит и движение тела. Сегодня существуют специальные носимые датчики, которые определяют положение человека в пространстве, регистрируют непроизвольные и естественные микроколебания тела, которые происходят, даже если человек стоит ровно и здоров. Так, мы повесили на группу испытуемых эти датчики и попросили их рассмотреть два полотна – с перспективой и без. Перед первой картиной люди наклонялись сильнее, чем перед второй, их тело колебалось больше.

Есть ли разница в восприятии произведений искусства у разных людей?

Мы обнаружили, что художники и не-художники по-разному разглядывают произведения искусства. Так, мы попросили обывателей и художников рассмотреть полотно Фрэнсиса Бэкона. Первые концентрировали взгляд на неких повествовательных элементах, то есть лице, животных, людях, динамических предметах. Вторые же разглядывали всю картину целиком, обращая внимания даже на однотонный фон. Разница в восприятии появлялась очень быстро – в течение пяти секунд. Однако мы решили повторить опыт с полотном эпохи Возрождения, на котором были изображены два ангела на фоне здания. И здесь обычные люди обращали внимания и на статичные элементы художественного произведения – на архитектуру и ангелов, то есть взгляд был более открытым и динамичным. Мы сделали вывод, что современное искусство воспринимается полнее, если у человека есть какая-либо теоретическая подготовка в области искусства. Таким образом, наше исследование может помочь в художественном образовании.

Многим людям очень тяжело воспринимать современное искусство, это правда. Но почему люди полнее воспринимают искусство именно в музеях?

Когда вы сидите дома и смотрите изображения тех или иных художественных работ, например, в Интернете, то вы не двигаетесь. Вы статичны, ваше тело не вовлечено в процесс познания и открытия. В музеях и галереях же вы постоянно двигаетесь: вы ходите, стоите. Кроме того, вы делаете выбор, насколько долго задержаться перед тем или иным объектом, насколько он вам нравится или нет, что он вам напоминает. Вы можете рассмотреть его со всех сторон, если это скульптура, увидеть структуру мазков, если это картина. На восприятие влияет и окружающая обстановка музея. Если вас окружает красивая архитектура, это также изменит ваши эмоции и мысли. В музеях и галереях люди получают дополнительный физиологический опыт.

Получается, люди будут посещать музеи, даже если ничего не смыслят в искусстве?

Даже если человек не может интерпретировать искусство «правильно», это очень полезно для него, если он идет в галерею. Каждая картина, скульптура или другой художественный объект уникален, других таких больше нет. Когда человек исследует его, он тренируется познавать новое и воспринимать совершенно непривычную для него информацию. Это тренирует гибкость мозга, а также дает новые стимулы телу.

Как именно искусство может использоваться в медицинских целях?

У человеческого организма есть удивительная способность корректировать свое положение в пространстве в соответствии с окружающими объектами. То есть если поставить человека перед наклонным изображением, то он сам наклонится в ту же сторону. Один из экспериментов по изучению реакции тела на произведения искусства мы провели в зале, где были выставлены объекты искусства с небольшим наклоном. Затем испытуемые прошли тест. В этом тесте им показывали красную наклонную линию на черном фоне, которая постепенно становилась вертикальной. И люди должны были сказать, когда линия, по их мнению, полностью выравнивалась. Те, кто побывал на выставке с наклонными экспонатами, справились с тестом лучше тех, кто не был там. Таким образом, мы поняли, что на выставке люди «тренировались» быть в равновесии, соответственно, и их мозг тренировался отличать наклонные предметы от нормальных.

Можно ли с научной точки зрения сформулировать правила создания эстетических произведений?

Как физиолог могу сказать, что чувство эстетического очень сильно зависит от того, насколько мощные стимулы дает произведение искусства нашему мозгу и телу. Нужно помнить, что эстетика – это не то же самое, что удовольствие. Чувство эстетического не делает вас счастливым или грустным, это больше физиология. Например, когда вы видите скрытое пространство в полотне, или перспективу, или какие-то неочевидные элементы, вы их «открываете», получаете какой-то новый опыт и реагируете на него. Чем больше физиологических реакций происходит в нашем организме при наблюдении полотна, тем более оно нам приятно. При этом не существует каких-то единых критериев о том, что людям будет нравиться, а что нет, и это тоже выражается в физиологических изменениях. В одном моем исследовании мы помещали людей перед работой современного художника и просили их сообщить, нравится ли им это. Одновременно мы регистрировали положение тела испытуемых при просмотре работы. Оказалось, что если человеку не нравилось, что он видит, то его тело непроизвольно наклонялось назад. При положительных эмоциях, наоборот, человек «тянулся» вперед. Все эти физиологические реакции усиливают эстетическое чувство. Художники могут понимать их значение и использовать определенные приемы, чтобы вызывать в человеке те или иные ощущения, но это совсем не обязательно, чтобы произведение искусства получилось достойным и сильно воздействовало на наблюдателя.

Искусство – это состояние души, которое свойственно только человеку. Не потеряем ли мы эту тонкую магию, если дадим ей научное описание?

Мы можем только анализировать влияние искусства на физиологию человека, но ни в коем случае не указывать художнику, как ему работать, чтобы добиться большего эффекта. Возможно, художники как-то используют те научные открытия, которые мы делаем, я не знаю. Лично для меня знания о влиянии искусства на человека только усиливают эстетическое наслаждение от восприятия художественных работ. Здесь можно провести аналогию с историей искусства. Некоторые полотна, например, изучаются уже столетиями, и разве это как-то мешает нашему восприятию этих картин? Это уничтожает эстетическое и художественное значение картин? Нет. Наука работает со всеми аспектами человеческой жизни, тогда почему бы ученым не исследовать самую важную часть человеческой цивилизации – искусство? Мы можем работать в сотрудничестве с художниками, и это не помещает развитию искусства.

К каждой своей работе художник подходил с научной точки зрения

К каждой своей работе художник Аполлинарий Васнецов подходил с научной точки зрения

Аполлинарий Васнецов обладал большим талантом и способностями к живописи. В этом он не уступал своему прославленному брату Виктору и сумел не затеряться в его тени. Интересно, что Аполлинарий Васнецов не получил официального художественного образования и при этом создал немало шедевров.

Первым признанием для молодого художника стала покупка его пейзажа «Серый день» Павлом Третьяковым. Дорожка, которая делит пейзаж на две части, два дерева, одинокая фигура, бредущая к роще, и птица, парящая в небе. Как говорится, природа без прикрас. Именно таким всегда старался изображать окружающий мир художник, делая зарисовки во время поездок по России. позже Аполлинарий Васнецов.

Впечатления от бескрайних просторов нашли воплощение в полотне «Родина». Поля, перелески, пашня… Именно здесь Васнецов предпринимает попытку осознать, что для него значат родные просторы и земля. Работа художника оказала влияние на крупного русского пейзажиста Николая Дубовского, который напишет известную картину с одноимённым названием «Родина».

Художник также создает целую серию монументальных пейзажей: «Тайга на Урале. Синяя гора», «Горное озеро. Урал»… Эпический размах — и тут же нежная «Элегия», получившая большую серебряную медаль на Всемирной выставке в Париже. Словом, Аполлинарий Васнецов сразу получает признание публики и известных коллег.

«Картины Аполлинария мне очень нравятся. Какой он молодец, какое воображение!» — писал в одном из писем его брату Виктору Илья Репин.

От родных просторов — к историческому пейзажу

Васнецова не даром называют «поэтом древней Москвы». Увлечение художника историей, архитектурой, археологией позволяло Аполлинарию Васнецову заглядывать на холсте в далекое прошлое. Искусствоведы едины во мнении — живописец не занимался реконструкцией облика Москвы. Он умело воскрешает образы древнего города, которые и сейчас остаются единственными в русском изобразительном искусстве.

Впервые к этой теме художник обратился, когда выполнял иллюстрации к «Песне о купце Калашникове» для юбилейного издания сочинений Лермонтова. В этот период он изучал планы города по библиотекам и музеям. А когда вернулся из путешествий по стране и поселился на набережной реки Москвы, занялся серьёзно. Видневшийся из окон квартиры величественный архитектурный ансамбль Кремля произвел глубокое впечатление на художника, любящего русскую старину. «Я был поражён видом Москвы, — вспоминал художник, — конечно, главным образом Кремлем. Жил неподалеку от него на Остоженке, и любимыми прогулками после работы было кружение около Кремля: я любовался его башнями, стенами, соборами. Но едва ли не главной причиной было то, что я люблю науку: собирать материал, классифицировать факты, изучать их».

Результатом этих исследований становится пейзаж «Московский Кремль», который тут же приобретает Павел Третьяков. Именно с этой работы начинается увлечение Аполлинария Васнецова старой Москвой.

Цикл произведений можно разделить на две группы

Созданный Аполлинарием Васнецовым цикл произведений, посвященных старой Москве, можно поделить на две группы. Первую представляют большие живописные полотна. К другой относятся многочисленные графические произведения.

По произведениям Васнецова можно восстановить этапы развития русской столицы. Вот, к примеру, картина «Начало Москвы». На ней запечатлёна вторая половина XII века. Художник представил на полотне тот самый момент, когда по приказу Юрия Долгорукого на Боровицком холме в слиянии рек Неглинная и Москва строится деревянная крепость. Это историческое событие отражено в картине.

Московский Кремль при Иване Калите

А вот «Московский Кремль при Иване Калите. Середина XIV века» — живописно раскинулся на холме деревянный город, представленный в холодновато-голубоватой дымке зимнего дня… Художник показал город со стороны реки Неглинной и Москвы реки. На переднем плане изображена небольшая часть реки, лодки и люди, которые занимаются своими делами. Деревянный мост, который переброшен через Неглинку, ведёт в Кремль через Боровицкие ворота. На берегу люди начинают топить бани. Из окон валят клубья дыма.

Частокол из дуба, установленный напротив кремлёвской стены, также сложенной из этого дерева, построен специально, в целях безопасности Кремля. На холме расположен княжеский терем. Он соединён срубами из дерева, а к нему установлена высокая лестница. По левую сторону от княжеского двора изображён Успенский собор, выполненный из камня. Чуть поодаль, построен Архангельский собор…

На полотне «Московский застенок. Конец ХVI века», которое было удостоено золотой медали на Международной выставке в Мюнхене, она мрачная. На акварели «Площадь Ивана Великого в Кремле»Москва смотрится радостной и сверкающей. Васнецов сумел проследить уникальную трансформацию Кремля: от строительства деревянных стен до расцвета московской крепости ХVII века.

Васнецов показал Москву разной

Можно с уверенностью сказать, если Виктор Васнецов — зачинатель сказочного жанра, то Аполлинарий первым сделал главным героем своих картин архитектуру древней Москвы. Ему удалось показать её разной и в то же время такой узнаваемой.

Следует отметить, что во время работы над образами столицы, Аполлинарий сблизился с историками и археологами. Его даже приняли в члены Московского археологического общества, а затем избрали почетным председателем Комиссии по изучению старой Москвы. Он изучал древние иконы и руководил реставрацией… Воссоздавал облик города не только на своих полотнах, но и в реальной жизни… И рисовал. Много и прекрасно.

За свою жизнь Апполинарий Васнецов написал 120 картин, посвященных древней Москве и другим древнерусским городам и все они служат бесценным источником знаний для потомков.

Отец привил детям любовь к природе

Вырос художник в небольшом домике села Рябово Вятской губернии. Отец — священник, был человеком просвещенным, интересовался естественными науками и астрономией, рисовал, знал и любил природу. Привил любовь к родному краю и своим детям.

«Ночью он обращал мое внимание на небо, и я с детства знал главные созвездия и звезды… Любовь к природе и воспитала во мне любовь к пейзажу, и этим я обязан отцу», — напишет позже в автобиографии художник.

Но в 13 лет Аполлинарий остался круглым сиротой. Главным его наставником стал старший брат. Виктор уже учился в петербургской Академии художеств и, увидев рисунки брата, разглядел будущего живописца. После окончания духовного училища в 1872 году Аполлинарий по настоянию Виктора переезжает в Петербург. Там он знакомится с Ильёй Репиным, увлекается геологией и едва не поступает в Геологический институт. Но спустя шесть лет, пройдя через увлечение народническими идеями все свои силы отдает искусству.

Творческая атмосфера Абрамцева оказала влияние на Васнецова

Александр Бенуа, хорошо знавший Аполлинария, так вспоминал о нем: «Мне нравились его довольно наивные, и все же убедительные затеи «возрождения» прошлого обожаемой им Москвы и его попытки представить грандиозность и ширь сибирской природы. Познакомившись с ним поближе, я поверил в абсолютную чистоту его души, а также в тождество его духовной природы и его искусства. Да и наружность у «Аполлинаши» удивительно соответствовала его творчеству. Что-то девичье-чистое светилось в его несколько удивленном взоре, а его довольно пухленькие «ланиты» (слово это как-то особенно сюда подходит) рдели таким румянцем, какого вообще не найдешь у взрослых людей и у городских жителей… Прелестен был и его «сибирский» говор, еще более дававший впечатление чего-то истинно русского, нежели говор москвичей».

Общение с товарищами брата, членами абрамцевского кружка, Ильей Репиным, Валентином Серовым, Константином Коровиным, Василием Поленовым и творческая атмосфера Абрамцева оказали неоценимое влияние на Аполлинария Васнецова. Он создает декорацию «Слобода Берендеевка» к спектаклю «Снегурочка», выполняет эскизы мебели для абрамцевской мастерской и пишет… Кроме того, он создаёт серию этюдов неба и «настроенческие» облака. Увлечение астрономией тоже нашло воплощение на холсте, как в «Солнечном затмении на Вятке», и в научном журнале Русского астрономического общества.

За впечатлениями Васнецов оправляется путешествовать по свету

«Художником, который пишет по впечатлению» называл Васнецова Константин Коровин. Так оно и было на самом деле. За этими самыми впечатлениями Васнецов отправлялся путешествовать по всему свету: Крым, Кавказ, Сибирь, Украина, Урал.

«Знакомые картины моего детства ожили передо мной, переродившись в меланхолический суровый пейзаж. Характер Урала и его природа очень мне напомнили вятский край, те же хвойные леса, увалы, только грандиозных размеров, а леса — щетина тайги по хребтам гор… Воспитывали меня как художника-пейзажиста и мои путешествия и поездки у себя на родине и за границей», — писал Васнецов.

Ученики его обожали

Деятельность этого человека не может не восхищать. Уже одно то, что к каждой работе он подходил с научной точки зрения — будь то художественная реконструкция Москвы или работа в театре, говорит само за себя. Когда его попросили написать декорации к «Садко», то он дважды побывал в Новгороде и постарался предельно точно передать дух древнего города. При работе над декорациями к опере Римского-Корсакова «Сказание о невидимом граде Китеже», дал волю фантазии. Тут историк уступил место самобытному русскому художнику.

С 1883 года картины Васнецов участвовали в показах Товарищества передвижных художественных выставок. Стал академиком петербургской Академии художеств. Являлся одним из организаторов Союза русских художников, а также был руководителем пейзажного класса Московского училища живописи, ваяния и зодчества. Ученики его обожали. Ведь Васнецов был педагогом добрым, отзывчивым и увлечённым. Хорошо помня свою тяжёлую и безденежную жизнь, всегда старался поддержать студентов материально.

Новой власти Васнецов оказался не нужен

Революцию 17-го года Аполлинарий Васнецов принял с восторгом. Он был уверен — теперь русское искусство начнёт расцветать и наполнится струёй новых идей…. Отрезвление наступило довольно быстро. Вскоре он скажет: «Коммунизм атрофирует личность. Безумие — вручать судьбы народа своей страны темным массам низов».

А вскоре он и вовсе стал не нужен новой власти. В 1920 году его уволили с должности преподавателя и отобрали мастерскую, что была у него в училище. Сделали подло, когда мастер отсутствовал. В квартиру подселили гражданина, который, тыча пальцев в картины, постоянно кричал: «выбрось ты эту дрянь!» и требовал все отдать истопнику, чтобы «хоть какой-то толк был»… Аполлинарий Васнецов переносил всё это очень тяжело. Из затяжной депрессии вытащил его сын. Всеволод, пытаясь растормошить отца, просил: «Вспомни о своем родном Рябове! Вспомни все то, что ты мне рассказывал, напиши это!». Как ни странно, именно пейзажи того периода самые светлые и яркие. Кроме того, он являлся одним из самых активных членов общества «Старая Москва» и принимал личное участие в археологических раскопках.

Даже в самые последние годы своей жизни Васнецов не упускал возможности археологических изысканий, спускался в шахты и котлованы строившегося в начале 1930-х годов Московского метрополитена. Изучая древние планы, летописи, свидетельства иностранных путешественников, художник создавал ценнейшие в своем роде произведения. Недаром его называли и знатоком, и певцом древней Москвы. Земля перед ним становилось прозрачной, а прошедшие годы словно растворялись, открывая ему «преданья старины глубокой».

Васнецов был безумно талантливым человеком

Мало кто знает, но именно Аполлинарий Васнецов в 1931 году стал единственным из художников, публично выступившим против сноса храма Христа Спасителя, написав письмо в газету «Известия». А через два года, будучи уже сам при смерти, он непрестанно спрашивал: «Не взорвали ли храм Христа-Спасителя?». Храм к тому времени уже взорвали, но жена отвечала: «Стоит на месте…»

Говоря о художнике, нельзя не отметить его разносторонний дар. Он был прекрасным архитекторам и довольно активно принимал участие в архитектурных конкурсах. Все представленные работы было выполнены в «неорусском» стиле. На протяжении всей своей жизни занимался литературной деятельностью. Его литературное наследие представлено разными жанрами: повести, рассказы, путевые очерки, воспоминания, автобиография. В 1929 он стал членом Всероссийского союза Советских писателей

Художнику- историку — мыслителю

Умер Аполлинарий Михайлович Васнецов 23 января 1933 года на 77-м году жизни, похоронен на Введенском кладбище. Это был человек исключительно разносторонних знаний. Скромный, принципиальный и прямой он обладал очень добрым сердцем и отзывчивой душой. На памятнике, установленном на могиле А. М. Васнецова в Москве на кладбище «Введенские горы», высечены слова: «Художнику — историку — мыслителю».

Последний этюд Аполлинария Михайловича остался выполненным только в угле. Так и стоит этот начатый этюд на старом любимом мольберте Аполлинария Михайловича в его мемориальной мастерской.

Репродукции картин Аполлинария Васнецова «Родина» и «Московский Кремль при Иване Калите. Середина XIV века»

Фундаментальная наука живописи

В Зоологическом музее МГУ открылась выставка анималиста Василия Алексеевича Ватагина, штатного художника музея с 1931 года. Он внес немалый вклад в развитие российской зоологии и зоогеографии, его иллюстрации до сих пор имеют научную ценность. Отдельно можно упомянуть т.н. «этограммы», — где животное изображено на одном листе в разные моменты времени, в разных позах, — т.е. зарисовки для исследования поведения. Почти вся его жизнь связана с нынешним зданием Зоомузея, сначала как студента, потом как профессионала.

Посетителя Зоологического музея МГУ, что называется с самого порога, уже в фойе — таинственном, высоком, чуть темноватом — встречают огромные живописные панно, изображающие жизнь живой природы. Это тоже работы Василия Ватагина. Его называют основоположником российской анималистики, его труд отмечен многими титулами и наградами. Зоологическому музею МГУ Ватагин отдал три десятка лет своей работы. Сейчас в музее открыта уникальная выставка его работ «Связь длиною в жизнь».

Удивительная связь научных знаний о природе и их художественного переосмысления — это творчество Ватагина. Звери в его рисунках, живописных полотнах, скульптуре — абсолютные личности, не менее, а даже более яркие и осмысленные, чем люди. Если в сюжете Ватагинской картины мы видим человека — то это фон, а главными героями остаются животные и мир природы. И в то же время, ни один зоолог, ученый не найдет здесь недостоверности. Даже в самых сложных по художественному звучанию работах, которые знатоки искусства относят к символизму, к стилю модерн, к ориенталистике и увлечению древними культурами — Ватагин безупречно точен как ученый, знающий устройство живого существа.

Василий Алексеевич родился в 1884 году в большой семье, в которой кроме него было еще четверо братьев. Все братья Ватагины учились в Московском университете на разных факультетах. Василий выбрал физико-математический факультет — именно на нем преподавали тогда биологию. С 1902 г. этот факультет располагался в нынешнем здании Зоомузея, и для Ватагина эти стены были той самой Alma mater, связи с которой он не потерял до конца жизни.

В 1904 году, уже будучи студентом университета, он начал посещать классы рисования, организованные известным русским живописцем К.Ф. Юоном. А в Университете его, как сказали бы сейчас, «научным руководителем» стал знаменитый профессор Михаил Александрович Мензбир — зоолог, зоогеограф, основатель российской орнитологии. Рисовальные таланты студента Ватагина не укрылись от его внимательного глаза, и профессор поручил ему иллюстрирование своих научных трудов.

В 1908 году Василия Ватагина отправили в командировку за границу, для создания серии иллюстраций для Зоогеографического атласа. Ватагин рисовал животных с натуры в зоопарках и музеях Германии, Голландии, Бельгии, Франции, Англии. По воспоминаниям самого Ватагина, Мензбир пресекал любые попытки своего ученика к уклонению от науки в искусство: «Что вы мне тут Художественный театр намазали!» Другой профессор — Константин Юон спрашивал молодого живописца: «А где же искусство?» Эти вопросы стали для Василия Ватагина главным творческим противоречием в жизни.

Василий Ватагин всегда говорил, что ему не хватало специального художественного образования. Жизнь все время возвращала его с горних высот чистого искусства, вновь и вновь — к работе в экспедициях, зоопарках, музеях. Но так или иначе — для каждого, кто видит сейчас эти работы очевидно, что искусство находило себе место на этих живописных листах, и можно смело утверждать, что каждый из них — художественное произведение.

В те времена, когда искусство и техника фотографии не достигло еще нынешних высот, когда не было ни фотошопа, ни иных компьютерных программ обработки изображений, биологический рисунок имел почти такую же ценность, как научная работа. В составе практически каждой серьезной экспедиции имелся штатный художник, который был обязан вести изобразительный дневник экспедиции, зарисовывать животных и растения, анатомические исследования и многое другое. Руками живописцев создавалась самая настоящая фундаментальная наука, дававшая пищу для последующих исследований современников, а иногда незаменимая и по сей день.

Степень точности, подробности и достоверности старых зоологических и сравнительно-анатомических атласов переоценить просто невозможно для любого исследователя. А для того, кто обладает художественным зрением, очевидно изящество, особая эстетика научного рисунка, дававшаяся не каждому живописцу или графику — а только ученому-художнику. Эти две стороны его труда были неразделимы. Ватагин был одним из таких исключительных творцов, которых во всем мире можно пересчитать по пальцам.

Анна Тихомирова, главный хранитель Зоологического музея МГУ:

«Ватагин был художником в двух ипостасях. С одной стороны — он был мастером научной иллюстрации, когда было необходимо быть максимально приближенным к оригиналу. До сих пор художественные иллюстрации, например, в определителях птиц, имеют гораздо большую ценность, чем фотографии — хотя бы потому, что крайне мало фотографий имеют такой ракурс, что можно видеть все необходимые определительные признаки. Биологический рисунок всегда выделяет какие-то важные детали для конкретных целей, подстраивает изображение под них.

И вторая ипостась — это Ватагин-художник, который стремился реализовать какой-то свой художественный замысел, сделать то, что не делал никто до него. Эти два начала боролись в нем, как можно понять, читая его воспоминания. Оформление музеев, скорее, можно отнести к научной иллюстрации, в которой он себе что-то позволял. С одной стороны, у него была задача показать что-то, чего нет в экспозиции, дополнить и обогатить ее изобразительные ряды, показать животных в их естественной среде обитания — в пустыне, в море, во льдах. Фриз с динозаврами в зале сравнительной анатомии — один из лучших тому примеров.

Его наброски, которые он делал в зоопарках, где животное изображено на одном листе в разные моменты времени, в разных позах — это полноценные «этограммы», зарисовки поз для исследования поведения. Так что, если хорошенько покопаться в рисунках Ватагина — можно многое почерпнуть для современных научных работ. Ватагин видел действительность, видел свои объекты глазами зоолога, обладавшего знанием и пониманием устройства живого. То есть, как зоолог, он рисовал правильно, а как художник — еще и красиво!»

В 1921 г Василий Ватагин принял участие в морской арктической экспедиции Плавучего морского научного института на ледокольном пароходе «Малыгин». Экспедиция в Баренцево море и на Новую Землю длилась 47 дней. Ватагин был художником этой экспедиции и оставил множество рисунков морских и сухопутных обитателей Арктики, полярных пейзажей.

В первые десятилетия XX века Василий Ватагин творил для двух московских музеев, в первую очередь — Дарвиновского, где он, фактически, являлся соавтором создателя музея Александра Котса.

С 1931 года Ватагин — штатный художник Зоомузея МГУ. Этот музей уже сам по себе является огромной постоянно действующей выставкой его анималистической живописи. Живописные панно в фойе являются настоящей визитной карточкой музея. Уникальный живописный фриз на тему истории живого мира Земли украшает один из залов, посвященный сравнительной анатомии животных. Да и вообще, картины Ватагина — более сотни — можно встретить практически по всей постоянной экспозиции.

Зоомузей МГУ обладает самой большой коллекцией графики Василия Ватагина в музейном собрании. Эта коллекция до сих пор не опубликована. Эта выставка — один из первых шагов на пути к тому, чтобы познакомить публику с творчеством этого замечательного ученого-художника. На ней представлено около 100 графических работ В.А. Ватагина из фондов Зоологического музея МГУ, большинство из которых экспонируется впервые, а также скульптура, макеты к книжной иллюстрации, документы, личные вещи и фотографии В.А. Ватагина, сделанные в период его работы в музее, из фондов Зоологического музея МГУ и из личных архивов семьи В.А. Ватагина.

В популяризации творчества Василия Ватагина сегодня сотрудничают два музея, которые хранят большую часть его художественного наследия.

Анна Клюкина — директор Государственного Дарвиновского музея:

«Издать большой альбом творчества Ватагина было бы очень хорошо, и можно было бы объединить усилия двух наших музеев. В Дарвиновском музее мы уже издавали каталог графики Василия Ватагина. У нас немало даже сувенирной продукции с рисунками Ватагина. В общем, мы стараемся популяризировать творчество Ватагина».

До сих пор в МГУ на биологическом факультете студентам — даже тем, кто совершенно чужд всякому художеству — с самого первого курса приходится очень много рисовать. Нужно зарисовывать препараты животных и растений на практикумах, полевых практиках. Это путь первопроходцев классической науки, который воспитывает умение видеть, выделять и запоминать главное — навык, необходимый ученому любой эпохи, не только естествоиспытателям прошлого, но и современным, вооруженным всеми технологиями века. Никакая фототехника не заменит собственных глаз и зрительного запечатления строения живого существа.

Михаил Калякин, директор Зоологического музея МГУ:

«Человек, который приходит в Зоологический музей, он сам того не понимая, сразу берется в плен Ватагиным. Будучи биологом сначала, а только потом художником, он положил первый камень в здание нашей анималистики. Его рисунок — исключительно правильный биологический рисунок. И любой биолог произведения Ватагина воспринимает не просто как художественные работы — потому что с точки зрения ученого они безупречны. С любой точки зрения — как устроено животное, как оно двигается, как устроены его покровы, будь то мех или перья. Ведь это очень сложно — изобразить птичье перо. Возьмите 5-10 художников, которые рисуют птиц, и сравните — у кого достигнута не только похожесть, но и достоверность, ощущение живого. Могу поручиться, что найдете немногих.

Кстати, параллельно с выставкой Ватагина у нас сейчас действует выставка другого замечательного художника-анималиста, нашего современника Вадима Алексеевича Горбатова. Их работы не похожи друг на друга — но это тот редкий случай, когда оба художника очень любимы зоологами-профессионалами. Оба они — художники-полевики, путешественники, участники многих экспедиций. Вадима Горбатова связывает давняя дружба со многими орнитологами, которых мы все считаем классиками».

Вадим Горбатов, художник-анималист:

Анималистика — это такой странный жанр среди изобразительного искусства. Для него важно иметь какое-то изначальную любовь и восхищение перед природой, перед живыми существами. Врожденный анималист — вечно удивляется и вечно рисует! Это проявляется с детства. А дальше, когда творчество становится уже зрелым, профессиональным, эти самые любовь и восхищение рождают интерес. Тогда художник начинает изучать свой объект, знакомиться с научной литературой, с исследователями. Контакты с профессиональными зоологами ему становятся необходимы. Отсюда возникают дружбы, причем многолетние, совместные путешествия, экспедиции. А есть и другой путь — как у Василия Ватагина, когда ученый, знаток природы, тоже влюбленный в нее с детства, становится художником, но идет он к этому через науку. Этот сплав в анималистах — он очевидный, но независимо от пути, рождается он от восхищения тем миром, который вокруг тебя».

Думаю, что безо всякой натяжки можно сказать, что среди зоологов у нас в стране нет таких, кто не знал бы имени Василия Ватагина. Его картины, висящие сегодня в учебных аудиториях биофака МГУ, вполне можно рассматривать как часть образовательного наследия, как напоминании о связи с поколениями отечественных естествоиспытателей, их видением мира, нашедшем отражение в их научных трудах. Совершенно неведомо как, на уровне неосознанном, Ватагин безошибочно отличается «своими» от многих и многих «чужих». В чем секрет? Вероятно, в том, что художника и настоящих ученых-биологов объединяет огромная любовь к природе, к ее обитателям и вера в ее мудрость и красоту.

Что нейробиология говорит об искусстве?

Почему нам может нравиться древнегреческая архитектура или живопись эпохи Ренессанса, но мы можем полностью отвергать сюрреализм или супрематизм? Почему мы вообще можем ценить прекрасное, и что для человека прекрасно? Давайте разберёмся.

Читайте также :

Высокое искусство. Духовное искусство. Творчество — дар Божий. Только человек может созидать и созерцать прекрасное.

Примерно такое представление об искусстве свойственно очень многим. Никто не будет спорить, что искусство — неотъемлемая часть жизни людей, их культуры, отражение их мыслей, порывов и достижений.

Но учёные готовы поспорить с тем, что способность к творчеству и способность к восприятию результатов этого творчества — особенности, присущие лишь человеку. И уже тем более они оспаривают то, что эти особенности — признак одухотворенности и возвышенности человека, в отличие от всех других биологических видов.

Взгляните на фотографии ниже. Что вы видите? О, ну, кто-то понатаскал сюда какие-то цветные ягоды, листья и мусор и аккуратненько разложил их по цветам и даже в каком-то геометрическом порядке. Может, дети побаловались.

Нет, это не дети потрудились, это птицы шалашники. Самцы этого вида — довольно невзрачные парни, они даже не умеют исполнять брачных песен, чтобы привлечь самок, однако они мастерски строят шалаши с разными по форме и размеру входами, арками, с интересным интерьером.

Чтобы завлечь самок, они украшают шалаш цветами, лепестками, ягодами, камнями и вообще всем, что подходит под их дизайнерский вкус, раскладывая или закрепляя всё это в определенном порядке и стиле. Разные виды шалашников могут сооружать разные жилища, и даже отдельные особи могут иметь свой неповторимый стиль. Всё это смахивает на понятие оригинальности, которая отличает творчество. Кроме того, шалашники проявляют некую скрупулезность в отношении своих творений: если убрать хоть одну ягодку или просто переложить её в другое место, птица тут же поскачет за ней и положит её обратно.

Процесс строительства жилища у шалашников

Восприятие прекрасного

Читайте также :

На самом деле наша способность видеть и создавать прекрасное — далеко не мистический дар. Её вполне можно объяснить природными инстинктами и функционированием мозга (с этих позиций можно объяснить многое в нашей жизни).

Почему художники используют ограниченное число красок в конкретной картине?

Если намазать на холст все цвета, которые только можно найти, да ещё в разном порядке, нисколько не группируя объекты по цветовой гамме, получится, мягко говоря, несуразица. Едва ли у нас повернется язык назвать это искусством. Но есть закон группировки, который позволяет нам выхватывать объекты на основании общих признаков, в данном случае, конкретного цвета. Так мы группируем то, что видим на картине, и это даёт нам куда больше комфорта и удовольствия, чем если бы мы наблюдали хаотичный набор красок без каких-либо акцентов.

Это не просто одно из свойств, позволяющее нам наслаждаться произведениями искусства. Группировка помогала нам избежать опасности в дикой природе: чтобы увидеть хищника за кустами и опознать в нём угрозу, необходимо сгруппировать в мозге фрагменты одного оттенка и структуры, что выглядывают из-за листьев. Как только мозг группирует эти выглядывающие из-за кустов части тела, например, тигра, даётся сигнал: «Так это же один объект, он прячется в кустах, и, кажется, это тигр, надо бежать!»

Читайте также :

А что говорит нейробиология об абстрактном искусстве?

Хорошим примером здесь будут эксперименты биолога Николаса Тимбергена, который исследовал поведение серебристых чаек. Птенец серебристой чайки, выпрашивая еду у матери, поклевывает красное пятно у неё на клюве. Но, как оказалось, его очень легко обмануть. Достаточно подсунуть ему муляж клюва с красным пятном, уже без тела. Птенец точно так же будет требовать у него еду, как и у живой матери.

Можно пойти ещё дальше: подсунем ему палку с красным пятном. Снова работает. Почему? Эволюция не предусматривала, что к птенцу пристанет вредный биолог и начнёт пихать ему какую-то палку с красным пятном вместо реальной матери. Мозг птенца запрограммирован на то, чтобы просить пищу у объекта, имеющего конкретные признаки. И вероятность того, что кто-то будет обладать этими признаками помимо его матери, ничтожно мала.

Эксперимент на этом не заканчивается: берём очень длинную толстую палку и делаем на её конце три красные полосы. Чем вам не абстрактное искусство? Удивительно, но птенцу такая модель маминого клюва очень нравится: он начинает клевать эту палку яростнее, чем настоящий клюв.

В данном случае мы наблюдаем так называемый эффект «максимального смещения»: чем больше красного, тем лучше. Иными словами, чем больше полезных признаков, тем больше нас нравится тот или иной предмет. Разумеется, во всем нужна мера, чтобы количество этих признаков не изменяло предмет до неузнаваемости.

Это могли использовать в своих произведениях Моне или Ван Гог, например. Они создали такое цветовое пространство, которое далеко от реальных объектов, однако производит на многих впечатление.

Читайте также :

Есть много законов, которые могут объяснить, почему нам нравится та или иная картина, или почему конкретные произведения искусства имеют успех у публики.

Я не говорю о возведении понятия искусства в финансовые махинации и не рассматриваю бездумную штамповку полотен с каракулями на них как способ заработать деньги на манипуляциях вроде «Кто разбирается в высоком искусстве, поймёт, что я имел в виду, раскрасив это белое полотно в белый цвет». Я рассматриваю лишь те общие законы, которые имеют воздействие на человеческий мозг в силу эволюции и природных факторов.

К ним, помимо рассмотренных выше, можно добавить контраст, который нужен нам, чтобы выделять объекты из всей пестроты обстановки. Оптимальный уровень контраста также позволяет нам наслаждаться произведениями искусства: не тускло, но и не режет глаза.

Симметрия также относится к факторам, определяющим наше отношение к творениям: ряд экспериментов показал, что наиболее симметричные лица, например, считаются и наиболее привлекательными. Ведь симметрия по сути — маркер здоровья. Если, к примеру, беременная особь была заражена паразитами, у её детёныша будет выражена некоторая асимметрия. Это позволяет другим особям, задача которых — передать свои гены, идентифицировать не совсем здоровую особь: «Ага, у него асимметричная морда, пойду поищу кого-то получше».

Этот механизм заложен на подсознательном уровне, поэтому в искусстве он тоже применим. В то же время мы допускаем некую степень асимметрии, но только если речь идёт о едином объекте, а не об их наборе. Попробуйте расставить предметы интерьера в комнате строго симметрично. Вряд ли вам понадобится дизайнер, чтобы понять, что такое расположение объектов не слишком-то комфортно.

Творческие способности

До сих пор я в основном говорила о восприятии произведений искусства. Но хотелось бы рассказать и о том, что способность создавать их также имеет научную подоплёку.

Если вспомнить симптоматику аутизма, то в списке симптомов можно увидеть социальную отстраненность, чрезвычайную замкнутость, задержку развития. И в то же время многие аутисты имеют ярко выраженные арифметические или художественные способности.

Посмотрите на рисунки, приведенные ниже. Попробуйте расположить их по уровню мастерства.

«Открой в себе художника» Для чего учиться рисовать и становиться художниками?

Наша задача написанием этой статьи — помочь увидеть то, что в каждом из нас на сознательном уровне живёт художник.

«Когда в человеке, какой бы работой он ни занимался, пробуждается художник, он становится существом изобретательным, ищущим, смелым, стремящимся к самовыражению. Он становится интересным для других людей. Он тревожит, будоражит, просвещает и открывает пути к лучшему пониманию». Роберт Генри. «Дух искусства», 1923 г.

«Именно для того, чтобы по-настоящему видеть, видеть все глубже, видеть все ярче, а значит, жить в полном сознании и полнокровной жизнью, я рисую то, что китайцы называют «десятью тысячами вещей», обозревая все вокруг себя.

.Рисование — это дисциплина, благодаря которой я непрерывно открываю для себя мир. Я осознал, что того, чего я никогда не рисовал, я по- настоящему и не видел и что только когда я начинаю рисовать обычную вещь, я понимаю, насколько она необычна, какое это чудо≫.Фредерик Франк. «Дзен созерцания», 1973 г.

Помочь открыть доступ к своим изобретательным, интуитивным, образным способностям, которые остаются в значительной степени невостребованными нашей вербальной, технологической культурой.

Возможно, нас не прельщает идея стать профессиональным художником. В таком случае упражнения просто углубят ваше понимание того, как работает ваш ум, или, вернее, два ваших ума — по отдельности, совместно, друг против друга. Жизнь становиться более содержательной, мы видим лучше и больше. Это подобно тому, что мы учим детей читать и писать не потому, что рассчитываем, что все они станут поэтами и писателями, но скорее для того, чтобы научить их мыслить.

Для начала ответим себе на вопросы :Для чего нам учиться рисовать? Что если с детства не получилось надо ли нам это пробовать во взрослом возрасте?. На протяжении своей жизни мы задаём себе подобные вопросы и часто нам сложно на них ответить. Давайте вместе поразмышляем зачем, для чего нам это надо? И надо ли вообще? Отсюда гармонично вытекают важные для нас извечные вопросы «Кто Я?», «Какой Я?», «Каковы мои способности?» «Как меня воспринимают окружающие?» Настоящая жизнь это игра по тем правилам, которые мы сами создаём и выбираем для себя.

Одна только возможность увидеть мир по-новому может быть достаточной причиной для того, чтобы научиться рисовать во взрослом возрасте.

Многие из нас бросили рисование в возрасте девяти-десяти лет.

Мы выросли, стали взрослыми и сейчас жалуемся , что мы никогда не умели рисовать и не можем даже провести прямую линию. Мы часто видим , что компетентные и уверенные в себе люди испытывают застенчивость, смущение и беспокойство, когда мы просим их нарисовать лицо или фигуру человека. В этой ситуации как правило _говорят что-нибудь вроде: «Нет, я не могу! Что бы я ни рисовал, это всегда ужасно. Это напоминает рисунок ребенка» или «Я не люблю рисовать. И не буду, так как я при этом чувствую себя крайне глупо». Знакомые слова? Возможно, каждый из нас сам испытывал некоторые из этих ощущений.

А знаете что интересно?

Из всех живых существ на нашей планете только люди способны рисовать образы окружающих их вещей и людей.

Рисование воспринимаемых образов является сугубо человеческой деятельностью, обеспечиваемой всей мощью человеческого мозга. Да, обезьян и слонов тоже учат рисовать, а потом их картины, которые порой действительно выглядят весьма экспрессивными, выставляют и продают. Давайте вспомним себя и наших детей. выводить линии на бумаге мы начали года в полтора, когда нам впервые дали карандаш или мелок и мы самостоятельно начали пробовать рисовать. Вспомните , как мы свободно, без всякого стеснения с упоением рисовали кружок, смотрели на него, добавляли две черточки для глаз, указывали пальчиком на рисунок и говорили : «мама», или «папа», или «это я», или «это мой мир», или что-нибудь в этом роде…

Куда же всё это исчезло потом?

Рисование — это любопытный процесс, тесно переплетенный с наблюдением, их нельзя разделить.

Способность рисовать зависит от умения видеть. Знаете ли вы , друзья, что умение рисовать это просто умение видеть.

Создается впечатление, что лишь немногие люди обладают способностью видеть и рисовать, художников часто считают людьми, наделенными редким, Богом данным талантом.

Процесс рисования представляется нам чем-то таинственным и в каком-то смысле выходящим за пределы человеческого понимания. А сами художники зачастую не делают ничего, чтобы развеять эту тайну « Я просто смотрю на человека (или пейзаж) и рисую то, что вижу».- так говорят художники.

Мы откроем вам тайну , что рисование это всего лишь навык, которому можно научиться и научить., так как мы когда то научились ходить или ездить на велосипеде. .Рисование — это навык, который может быть усвоен каждым из нас -нормальным человеком со средним зрением и средней координацией руки и глаза. Нам видится, что умение преодолеть в себе комплексы. связанные с нашими опасениями, что мы не умеем рисовать очень важны для каждого из нас так как избавляют нас от множества проблем и неурядиц в реальной жизни.

Итак начнём плясать от печки, как говорили на Руси в старину наши предки. Начнём с истоков развития нашего творческого потенциала и воображения , ведь именно с этого и начинается наше творческое развитие., и наша вера в свои силы и возможности.

Французский психолог Т. Рибо представил основной закон развития воображения в трех стадиях:

детство и отрочество – господство фантазии, игр, сказок, вымысла;

юность –сочетание вымысла и деятельности, «трезвого расчетливого рассудка»;

зрелость – подчинение воображения уму интеллекту. Так у нас с вами и происходит в жизни.

Давайте вспомним как мы рисовали в детстве ?

До 3 х лет у всех детей воображение существует внутри других психических процессов, в них закладывается его фундамент.

В 3 года происходит— становление словесных форм воображения. Здесь воображение становится самостоятельным процессом.

Примерно к трем с половиной годам жизни малыша образность его искусства становится более сложной, отражая развитие сознания и изменения в восприятии мира. К голове порой пририсовывается туловище, хотя оно может быть и меньше головы. Руки и даже ноги могут расти все еще прямо из головы, но чаще они появляются из туловища, порой ниже талии. К телу дорисовываются ноги.

В 4 -5 лет ребенок- начинает планировать, составлять в уме план предстоящих действий. Дети рисуют свои любимые образы много раз, запоминая их. В возрасте четырех-пяти лет дети начинают с помощью рисунков рассказывать истории и решать свои проблемы. К пяти-шести годам у детей уже сложился набор символов для изображения пейзажа

В 6-7 лет воображение носит активный характер.

Дети в возрасте 9- 12 лет ищут способы добиться того, чтобы объекты ≪выглядели настоящими» Особенно их привлекает изображение человеческих фигур .Дети в этом возрасте любят реализм потому, что они пытаются научиться видеть.. а потом всё наше желание рисовать и проявляться через рисование вдруг исчезает почему так происходит? Мы нарабатываем систему символов и в том возрасте она прочно закрепляется внутри нас.

Мы знаем, из «умных источников», что за наш творческий потенциал отвечает правое полушарие мозга.

Именно оно и лидирует у маленьких детей, которые, как известно, сначала делают, а уже потом думают, и вот тут то , возможно, и сокрыт настоящий источник нашего творческого потенциала?.

С этим можно согласиться , вспомните, что наиболее активно и особенно интенсивно наша детская фантазия развивалась в возрасте от 5 до 15 лет. Это логично. А вот если в этот период наше воображение специально не развивать, в последующем наступает быстрое снижение активности данной функции. А вместе с уменьшением способности фантазировать у нас обедняется личность, снижаются возможности творческого мышления, гаснет интерес к искусству и науке теряется желание и намерение жить полноценной и наполненной жизнью.

Давайте вспомним ,как будучи детьми мы с большим интересом слушали и читали сказки?

как по вечерам , лёжа в постели , мы представляли себе их образы, как реально существующие явления и погружались в миры ночных фантазийных и красочных снов, а подчас просто придумывали свои сказки и истории . Наше воображение некритически компенсировало у нас недостаток жизненного опыта и практического мышления вхождением описанных сказочных образов в нашу детскую и такую красочную и реальную жизнь.. Именно поэтому мы легко верили в то, что наряженный актер — это настоящий Дед Мороз или Баба Яга, мы даже порой боялись злого волшебника или волка на экране телевизора, и плакали от жалости к Дюймовочке, слушая сказку. Воображая игровые ситуации и реализуя их, мы сами того не ведая формировали у себя целый ряд личностных свойств и росли , росли, росли.

А период нашего подросткового максимализма? Мы так легко творили и испытывали наслаждение от творческого созидания. С юношеским максимализмом мы сочиняли стихи, музыку, импровизировали танцы, пытались решить сложнейшие (нередко не имеющие решения как, например, создание вечного двигателя) вопросы науки. Мы считали себя героями.

Куда это стало исчезать потом , когда мы шагнули в мир столь долгожданной взрослости?

С возрастом, власть над нашим вдохновением и воображением постепенно захватывало левое полушарие., подминая под себя «наивное и детское» правое . Ведь именно с окончанием нашего подросткового возраста , с нашим долгожданным взрослением левое полушарие вдруг стало решать за нас многие важные жизненные вопросы. Именно тогда оно и стало окончательно доминантным, и начало полностью контролировать наши детские мечты и фантазии, критиковать нас, взвешивать все наши «за и против», выстраивать логические цепочки и умозаключения, размышлять и делать нас солидными и «правильными». Все мы, взрослея, забываем о том, что были когда то детьми и по настоящему раздражаемся и сердимся на своих детей называя их пустыми мечтателями и фантазёрами. Мы говорим себе «Да и вообще нужно ли нам это « пустое» воображение?», и часто отвечаем «да возможно, но где найти на всю эту ерунду время? Но если мы начнём считать все «за» и «против» тут пальцев обеих рук не хватит, чтобы ответить себе самому- « да , да и ещё раз да» развитие воображения дарит нам крылья.

Мы можем позволить себя вновь стать « фантазёрами и мечтателями» …и начать рисовать.

Существует расхожее мнение что , нельзя научиться рисовать во взрослом возрасте это твердят нам все вокруг .

И мы по инерции или по привычке верим в то, что говорят нам «проверенные источники», а также печатные издания «известных и маститых» авторов. Читая их мы часто забываем, что наш самый главный советчик и друг, тот единственный кому стоит верить и доверять это мы сами .

Если мы обратимся к литературе то увидим, что многие великие люди не простаивали в детстве часами за мольбертом и даже и предположить не могли, что когда –нибудь прославятся.

Врубель, например, с золотой медалью окончил юридический факультет. А затем, уже будучи взрослым и работая в главном военно- судном управлении поступил в качестве вольного слушателя в Императорскую академию художеств.

Но наше логическое мышление упорно подсказывает, что нам не стоит подходить к кистям «зачем заниматься детской и наивной ерундой»?

И постепенно мечты о том, чтобы позволить себе научиться рисовать становятся «воздушными замками на песке. Мы начинаем верить , что для нас овладеть техникой живописи и рисунка, научиться дружить с линией., так же сложно как совершить восхождение на Эверест .Похоже?

Вырастая, мы становимся скучно и размеренно правильными.

Мы верим «своему гуру и учителю во взрослой жизни -левому полушарию». С логической точки зрения объяснимо , так как вы живём в технологически развитой цивилизации. В нашей культуре акцент столь сильно смещен в сторону полезных способностей левого полушария, мы, безусловно, в весьма значительной мере «душим « потенциальные способности другой половины своего мозга и мозга наших детей.

Исследовательница Джерри Лев утверждает и лишь отчасти в шутку, что подготовка специалистов в системе высшего образования способна полностью разрушить право полушарие..

Вся наша культура, весь наш быт и весь мир вокруг нас становится больше и больше рационально логичными. «Это правильно , но не верно» — любит говорить наш профессор А.В Гордеева на своих творческих лекциях по психологии, и мы соглашаемся с таким утверждением.

Научиться рисовать может значить для нас с вами намного больше чем банальный навык вождения кистью по полотну, или карандашом по листу бумаги, когда простая «мазня вдруг становится открытием наших новых возможностей .

Это значит взять контроль над собственным умом и логическим мышлением. Когда потребуется, самим договариваться с ним, выпуская на волю свои настоящие природные чувства и эмоции. Это значит стать вершителем своей реальности, самим отвечать за сценарий собственной жизни, рисуя его яркими красками своих эмоций и ощущений. Мы, открывая дверь и позволяя творить своему правому полушарию , позволяем войти в нашу жизнь творчеству и вдохновению. Мы осознаём , что мир вдруг начинает радужно сиять. Мы ощущаем себя счастливыми. Согласитесь, это и есть наше движение вперёд по дороге жизни в удивительном приключении под названием жизнь. Это и есть наше саморазвитие.

Если мы вновь обратимся к печатным изданиям, то прочитаем, что согласно статистике у большинства людей в зрелом возрасте с развитием мышления происходит упадок воображение.

А ведь наше воображение позволяет нам выйти за пределы реального мира во времени и пространстве. Дает возможность еще до начала любой работы представить себе готовый результат труда. Это у нас психологов называется «создание образа цели и образа действия» проще говоря , это предвидение будущего результата и выстраивание нашего пути движения к нему.

Творческий подход к жизни помогает нам во многих логических и практических вопросах.

Мы знаем , что почти вся человеческая материальная и духовная культура является продуктом воображения и творчества людей. Давайте вновь обратимся к психологии.

Классик психологии С.Л. Рубинштейн пишет: «Воображение — это отлет от прошлого опыта, это преобразование данного порождение на этой основе новых образов. Воображать — это преображать».

Важно суметь договориться с собой о взаимодействии внутри нас двух наших половинок логической и творческой.

Этому учат нас и традиционные и нетрадиционные техники, «симарона» , например, изучая её мы видим: «Технологию снятия конкурентных отношений между двумя частями личности. Установления согласия соединения их намерений в один узел, продуктивный для обеих сторон. Этот узел – природный пульт нашего творческого управления всеми аспектами своего существования) ».( В. Долохов, В. Гурангов «Сокровища экстаза» Издательство «Захаров» Издательский дом «Гелеос» Издательская группа «Весь» 2009 год.

Соединение работы наших двух полушарий и возможность переключения и заключается «В состоянии, которое в именуется единством души и разума, воображения и восприятия и рождается таинственная сила – внешнее намерение. Те, кто испробовал это на своем опыте, с изумлением рассказывают, как их мысли непостижимым образом воплощаются в действительность, а реальность буквально на глазах меняет свой облик.» -это цитата из близкой мне по духу книги Вадима Зеланда «Трансёрфинг реальности» вступление).

Но вернёмся к возможностям нашего мозга с более научной точки зрения. Левое полушарие -является вербальным и аналитическим, правое — невербальное и комплексное. и доминирющее , поэтому мы и перестаём творить, всё больше опираясь на логику.

Так за какие функции отвечает наше левое полушарие?

Верно за логику и рацио . А в нашей взрослой жизни так много нерешённых и волнующих нас вопросов и задач, которые не всегда возможно решить рациональным и логическим путём.

Так что процесс рисования, это не простая банальность. Он соединяет навы и восприятия с решением нашей проблемы, позволяет нам перейти в альтернативный режим мышления.

Существуют два режима нашего восприятия

«П- режим»- режим правого полушария. , этот термин ввела автор книги «Откройте в себе художника» профессор Бетти Эдвардс .

В этом режиме мы: «видим» вещи,- воображаемые —существующие только для внутреннего зрения, —вспоминаем вещи, которые могут быть реальными ,видим расположение этих вещей в пространстве; видим, как части, соединяясь, составляют целое; понимаем мета­форы; мечтаем; создаем новые идеи; жестикулируем; рисуем возникающие в уме образы; раскрываем творческие способности; способны по-новому обрабатывать информацию

Рабочий режим правого полу­шария: -интуитивный, субъективный, синтетический, целостный, не связанный со временем

Правое полушарие плохо справляется: с последовательными операциями — сначала выполнить первое действие, потом второе, затем следующее; может начать с любого места или охватить все сразу; с систематизацией; с наименованием вещей; не очень точно чувствует время; с анализом и абстрактными исследованием существенных характеристик, лежащих в основе вещей; не понимает, что означает выражение «пустая трата времени»; рассматривает вещь такой, какая она есть в данный момент;

Но в реальной жизни мы обычно пользуемся «Л режимом»

– это режим левого полушария. Режим иллюстрирует аналитический; вербальный; вычислительный; символический; линейный; объективный пути восприятия действительности.

Левое полушарие мозга является: доминантным; быстродействующим; склонно вмешиваться в процесс со своими словами и символами; принимается даже за работу, не слишком подходящую для него.

Наша цель , рисуя просто пытаться научиться смотреть на вещи по-другому. Волшебная тайна способности к рисованию состоит , в способности переключать мозг в особый режим видения восприятия.

Способность рисовать рождается тогда, когда мозг включается особым образом в П-режим.

Мы способны рисовать тогда, когда видим тем особым образом, которым видят опытные художники. , в этот момент мы способны решать многие жизненные вопросы легко и свободно. Мы, сосредоточившись на рисунке, одновременно фокусируем внимание и на вопросе , требующем решения, приведём слова из книги о взаимодействии двух полушарий : «Наше левое полушарие смотрит на рисунки — тем более на рисунки-аналогии — как на нечто маловажное, просто бессмысленные каракули и самоустраняется от работы над ними, отключая одновременно и ≪цензуру≫. Благодаря этому человек получает возможность изобразить в виде рисунка то, что он внутренне знает, но не умеет выразить вербально, на сознательном уровне.

Конечно, получившие традиционное воспитание директора могут рассматривать эту информацию как недостоверную, но я подозреваю, что отношение к ней как раз и предопределяет конечный успех деятельности компании.» говорит в своей ставшей мировым бестселлером книге « Откройте в себе художника» профессора Бетти Эдвард

«Вот ключевой принцип: рисование — это комплексный, или ≪целостный≫, навык, требующий лишь ограниченного набора базовых компонентов. Подобно другим комплексным навыкам — таким как, скажем, умение ходить, читать, водить машину, кататься на лыжах, — рисование складывается из нескольких взаимодополняющих навыков, которые составляют единое целое. Усвоив все компоненты и собрав их вместе, вы приобретаете умение рисовать — подобно тому, как, однажды научившись читать или ходить, вы способны делать это всю жизнь. Нет необходимости постоянно накапливать дополнительные базовые навыки. Ваш дальнейший прогресс определяется практикой, совершенствованием техники и изучением того, к чему можно приложить приобретенные навыки. Это было захватывающее открытие, потому что оно означало, что человек может научиться рисовать за относительно короткое время. И действительно, мы с коллегами теперь проводим пятидневный семинар, который дает возможность учащимся приобрести основные навыки за пять дней интенсивных занятий ( « Откройте в себе художника» Профессор Бетти Эдвардс стр15 издание ооо « Попури» 2009). Ещё в далёком 1979 данная книга явилась одним из первых примеров практического педагогического опыта. двойственной природы человеческого мышления: вербальное, аналитическое мышление осуществляется главным образом в левом полушарии, перцепционное, образное мышление — в правом полушарии мозга.

Есть Два пути познания

В нашем языке философами, учителями и учеными разных времен и культур была провозглашена концепция двойственности человеческой природы и мышления. Ключевой идеей является представление о том, что существует два параллельных пути познания

Мышление и чувства и Интеллект и интуицию;

Объективный анализ и Субъективное прозрение.

Эта книга популярна и в наше время, по её материалам проводятся многие занятия по обучению рисованию . После1979 года многие другие авторы тоже предложили свои методики применения данного открытия, выдвигая все новые и новые способы развития обоих режимов мышления с целью повышения потенциала личности. Благодаря этим необыкновенным открытиям, сделанным за последние пятнадцать лет, мы теперь знаем, что, несмотря на наше обычное ощущение единства и цельности личности — единого существа,— наш мозг раздвоен, причем каждая половина обладает собственным способом познания, своим особым восприятием окружающей действительности. Образно говоря, каждый из нас имеет два разума, два сознания, которые сообщаются и сотрудничают посредством соединительного ≪кабеля≫ из нервных волокон, протянувшегося между полушариями. Теперь мы знаем, что два полушария могут работать друг с другом по-разному. Иногда они кооперируются. А нам важно, чтобы они научились взаимодействовать и кооперироваться внутри нас.

Мы поделимся с вами частью секретов , раскрываемых в данной книге:

Совокупное умение нарисовать то, что находится перед глазами -воспринимаемый предмет, -человек, -пейзаж Требует только пяти фундаментальных навыков— не более. Эти навыки не являются собственно навыками рисования.

Это навыки восприятия:•

Первый — восприятие краев; •

Второй — восприятие пространства;•

Третий — восприятие соотношений;•

Четвертый — восприятие света и тени;•

Пятый — восприятие целостного образа, или ге-штальта.

Требуются, конечно, и дополнительные базовые навыки для творческого, выразительного рисования но повторюсь, тепять навыков, которые я назвала выше, обеспечивают. Тренировку восприятия для квалифицированного овладения способностью выражать свои чувства и мысли с помощью рисунка.

Эти пять базовых навыков являются необходимыми предпосылками эффективного использования и составляют единый, комплексный навык рисования

Пять основных базовых навыков рисования

1. Восприятие краев (общих краев контурного рисунка)

• Восприятие пространств, называемых в рисовании негативными пространствами
• Восприятие соотношений (перспективы и пропорций).
• Восприятие света и тени (или светотени)

• Восприятие целого (гештальта, сущности объекта)

А когда мы их освоим возможно подключение ещё двух:

7 Диалог.или воображение

Мы видим , что очень важно позволить себе порой переключаться и работать в режиме правого полушария Базовая стратегия перехода в «П-режим» это основная стратегия( для обозначения работы мозга в режиме зрительных образов) для научения свободному рисованию.

Суть стратегии работы в П-режиме Состоит в следующем

Чтобы получить доступ к подчиненному, образному, имеющему дело со зрительным восприятием П-режиму работы мозга, необходимо предложить мозгу работу, которую отвергает вербально-аналитический Л-режим. Для большинства людей работа в Л-режиме представляется простой, нормальной и знакомой (хотя это не относится ко многим детям и дислексикам).Извращенная стратегия П-режима, напротив, может показаться им трудной и непривычной — даже ≪чудачеством ≫. Ей приходится обучаться, преодолевая сопротивление ≪естественной≫ тенденции мозга опираться на Л-режим, потому что в целом в мышлении доминирует язык. Научившись управлять этой тенденцией для решения конкретных задач, человек получает доступ к мощным функциональным возможностям мозга, которые часто затеняются речью»

Все упражнения в данной методике построены на двух организующих принципах преследуют две главные цели:

Во-первых, научить пяти базовым навыкам рисования

Во-вторых, создать условия для облегчения перехода в П-режим сознания, режим мышления и восприятия, который как будто специально предназначен для рисования.

Таким образом в процессе обучения рисованию мы одновременно учимся управлять тем, как наш мозг обрабатывает информацию Эта методика может привлечь внимание людей разных профессий. Поможет интуитивно почувствовали связь этих идей с разными сферами деятельности. Используя П-режим, мы можем взглянуть на вещи по-другому.

Нам важно научиться осуществлять переключение мышления и извлекать из этого двойную выгоду:

Во-первых, сознательным усилием воли открывать доступ к правой стороне вашего мозга, с тем чтобы войти в несколько измененный режим сознания.

Во-вторых, видеть вещи по-иному. Эти два навыка позволят нам научиться хорошо рисовать, А также управлять своим творческим мышлением. Слегка измененное состояние сознания, сопровождаемое ощущением восторга, испытывают многие художники, занимаясь рисованием, живописью, лепкой или искусством любого другого рода, вероятно, и это состояние в какой-то степени знакомо нам . Порой мы , замечаем небольшие сдвиги в сознании, занимаясь куда более обычной по сравнению с изобразительным искусством работой. Когда мы читаем, бегаем трусцой, шьём, готовим, слушаем музыку и…рисуем. Мы вдруг соскальзываем в слегка измененное состояние сознания мечтательности или задумчивости и начинаем воспринимать мир вокруг нас иначе..

Многие художники отмечают, что они видят вещи иначе в процессе рисования, и часто упоминают о том, что рисование несколько изменяет их сознание. В этом измененном субъективном состоянии художники испытывают: чувство воодушевления, «единения с работой»; способность улавливать связи, которые в обычном состоянии остаются неуловимыми. исчезает чувство времени; слова улетучиваются из сознания. Художники говорят, что при этом они остаются в полном сознании, но избавляются от напряжения и беспокойства, испытывая приятный и почти мистический душевный подъем. Наш совет прежде чем «бежать на курсы или на семинар купите и самостоятельно прочитайте данную книгу и она послужит великолепным стартом в начале нашего пути к себе.

Таким образом мы видим , что П- режим это режим изменённого сознания .

Находясь в этом режиме и рисуя , возможно зарисовывать свои впечатления, даже если человек, никогда не учился рисовать. Как только режим рисования в станет привычным возможно сознательно контролировать это переключение сознания. «Если какая-то деятельность вроде живописи становится привычным способом самовыражения, это может привести к тому, что человеку достаточно только взять в руки инструменты и материалы, необходимые для живописи, и начать работу с ними, чтобы действовать по наитию и осуществить быстрый переход в высшее состояние».Роберт Генри. «Дух искусства», 1923 г.

Роджер Н. Шепард, профессор психологии Стэн- фордского университета, так описал свой собственный способ творческого мышления, в процессе которого научные идеи появляются в его голове как невербальные, практически законченные, исподволь вынашиваемые решения проблем. ≪То, что во всех этих случаях внезапного озарения идеи принимали преимущественно зрительно-пространственную форму, без — насколько правильно я могу анализировать происходящее внутри себя самого — какого-либо вербального вмешательства, вполне соответствует тому способу мышления, который для меня всегда был предпочтительным. С самого раннего детства моим счастливым время препровождением были часы, проведенные за рисованием, разного рода «бесполезными» занятиями или упражнениями, связанными с чисто ментальной визуализацией». «Визуальное обучение, мышление и общение», 1978 г.

В последние годы выявлены новые данные о связях двух полушарий и о функциях мозолистого тела — огромного нервного «кабеля», соединяющего два полушария,( левое и правое) — свидетельствуют о том, что поток информации из одного полушария другое может перекрываться, когда выполняемая задача требует невмешательства того или иного полушария

Нам хочется напомнить: что помимо показанной нами методики существует множество других : в итернете, в книгах, в изо студиях. Мы с вами можем выбрать любую , приятную и желанную нам. Сейчас главное другое, позволяя себе , рисовать во взрослом возрасте , нанося мазки на полотно, мы как бы говорим себе « мы творим мир вокруг себя и он в ответ дарит нам улыбку любви и радости.». Мы вновь открываем яркие краски, сочные цвета, не только на бумаге, но в нашей жизни. Ощущение радости это можно подарить себе сейчас просто играя с краской и позволяя себе творить.

А сейчас давайте поиграем?

Мы минутку оторвёмся от чтения, возьмём чистый лист бумаги и начнём прямо сейчас. Просто отпустим себя ,это и есть наше с вами и первое упражнение : мы начинаем наносить на бумагу штрихи или мазки легко и свободно, мы будем сейчас слушать себя быть собой , играть с собой и нашим лучшим другом миром, играть , как в далёком детстве.

Все, что мы делаем сейчас , кажется нам чрезвычайно увлекательным.

Мы сейчас :внимательны; сосредоточенны; Чувствуем свое единение с предметом, на котором сконцентрировано наше внимание; мы полны энергии, но спокойны; мы активны, но не испытываем тревоги; уверены в себе и чувствуем , что способны выполнить задачу. Мы сейчас мыслим не словами, а образами. Это очень приятное состояние. Выходя из него, мы чувствуем себя не утомленными, а, наоборот, бодрыми. А самое главное , что в процессе выполнения данного упражнения внутри нас оживают детская непосредственность, способность удивляться простым вещам , умение открывать красоту в самых обыкновенных вещах

Почему наши дети так открыты и радостны ? Потому что они живут играя с миром, позволяя ему баюкать себя, баловать, водить в кино, кормить мороженым, катать на карусели. Они рисуют и искренне радуются своим шедеврам, с гордостью показывая их нам, Почему повзрослев мы утрачиваем способность радоваться чудесам? Ограничиваем себя в возможности просто взять кисть и нанести на бумагу мазок сочной и яркой краски и засмеяться от счастья. Мы взрослея забываем дрогу к себе. Забываем , что мы все родом из детства. Забываем вкус бабушкиных пирожков? Не видим ,что солнце яркое? Небо голубое? Не верим ,что в мире живут чудеса? Важно помнить об этих тонкостях и нюансах и тогда мы способны творить чудеса в нашей реальности.

Говоря о творчестве вспомним слова замечательного психолога В. И. Слободчикова: «подлинное «Я», формируется действительно полное, свободное «бытие-у-самого-себя». Здесь речь об истинном, окончательном освобождении где человек становится причастным бесконечному универсальному Бытию. Именно здесь впервые открывается потенциальная эквивалентность человека Миру, вся полнота человеческой реальности как духовного микрокосма.»

Мы просто хотим поделиться с вами простым открытием, которое откроет огромный мир вокруг вас по новому.

Ведь итог нашей статьи таков: начинать рисовать возможно в любом возрасте возможно в любом возрасте

Это дарит нам: умение видеть по новому себя и весь мир вокруг себя., по новому решать многие жизненные задачи.

Позволяя себе творить мы растём, меняем себя и своё восприятие мира изнутри и снаружи. «Ты сам создаёшь свою вселенную по мере продвижения вперёд», сказал У. Черчиль.

Возможность научиться рисовать — это только средство, а не самоцель.

Рисование раскрывает особые способности правой половины нашего мозга, той самой половины, которая нужна для рисования.

Обучаясь рисованию, есть возможность научиться видеть по-другому.

Поэтично выразился художник Роден, «Вы станете доверенным лицом природы, откроете глаза на прекрасный язык форм, научитесь выражать себя посредством этого языка.» Занимаясь рисованием, возможно научиться: глубоко погружаться в ту часть своего сознания, которая часто остается в тени бесконечных деталей повседневной жизни. Через этот опыт ,развить в себе способность воспринимать вещи во всей их яркости и полноте, видеть их фундаментальные характеристики, взаимосвязи и возможности для их новых сочетаний.

Рисование это всего лишь ключ, открывающий путь к другим целям. Важно развивать свои индивидуальные способности через углубление понимания того, что такое наш ум и как он работает.

Развивая в себе возможности переключения в П-режим мы можем: чувствовать себя более уверенно; принимать верные решения; преодолевать проблемы; стать гармоничной и цельной личностью. раскрыть свой творческий потенциал. Благодаря новым способам мышления и новым возможностям нашего мозга, используемого во всей его полноте, нам станут доступны творческие решения самых разных проблем, как личных, так и профессиональных. Мы считаем ,что потенциальные возможности творческой, образной стороны вашего мозга почти безграничны, и с помощью рисования возможно познать эту могущественную сторону своего «я» и сделать ее видимой для других.

Рисуя, мы делаем видимым себя .

Как сказал немецкий художник Альбрехт Дюрер, «тайное сокровище, скрытое в вашем сердце, через ваше творчество становится явным».

И так самое главное зерно нашей статьи, «Чтобы научиться рисовать, надо не рисовать учиться».

Это звучит парадоксально, но чтобы научиться рисовать, надо: просто усилием воли переключать нашу систему мышления,. Переключаясь на визуальный мозговой режим мы обретаем способность видеть вещи по-особенному, так, как видит и воспринимает их художник.

А мы знаем , что образ восприятия художника: отличается от обыденного; требует сознательного ментального перехода; создаёт условия, приводящие к такому ментальному переходу. Это всё умеет делать обычный человек, научившийся рисовать. Этому учимся мы с вами , читая данную статью . Мы учимся, видеть и воспринимать мир иначе. Растёт наше умение видеть вещи глазами художника, ведь оно сокрыто внутри нас самих. Оно приносит пользу во многих Других сферах жизни, где возникает потребность творческом решении проблем. Каждый из нас заметил, что теряется ощущение времени, когда мы переключаемся в состояние П-режима, пока по завершении работы не взглянули на часы Мы не слышим того что говорили люди, люди вокруг; Мы ощущаем себя в полном сознан и в то же время мы абсолютно расслаблены; уверены в себе; увлечены; поглощены рисованием; сохраняем ясность мыслей.

Один художник сказал: «Когда я работаю действительно на подъеме, это не похоже ни на что другое, что мне доводилось испытывать. Живописец и живопись становятся одним целым. Я возбужден, но спокоен; взволнован, но полон самообладания. Это не просто счастье, это скорее блаженство. Я думаю, именно это побуждает меня вновь и вновь возвращаться к живописи и рисованию». Пребывание в П-режиме действительно доставляет удовольствие, Находясь в этом режиме, мы всегда будем хорошо рисовать. Есть и еще одно дополнительное преимущество: переход в П-режим на время освобождает нас от доминирования вербально символического Л-режима, что приносит нам долгожданное облегчение. Удовольствие приносит и то, что наше левое полушарие отдыхает, хранит молчание на время переключения.

Видя такую творческую цель, давайте начнем мастерить ключ, и сотворять чудеса?

Сегодня и сейчас и какая разница сколько нам лет?

Мы берём в руки кисть и краски или просто цветные фломастеры, мелки, карандаши и …..рисуем мир вокруг себя и себя в этом мир напевая наивную и детскую песенку « пусть всегда будет солнце пусть всегда будет небо пусть всегда будет мама, пусть всегда буду я…»? .

Главное, что мы сейчас вновь ощущаем , что мир вокруг нас не чёрно- белый , а цветной.

И нам хочется жить даже когда нам одиноко и грустно и кажется ,что рушится мир и люди вокруг такие далёкие и чужие. Закончив один рисунок, мы вновь кладём перед собой следующий чистый лист и …… мы вновь создаём свой мир….и он дарит нам…..то что мы сотворили.

Мы осознаём что мир вдруг начинает сиять и мы становимся счастливыми.

Согласитесь, это и есть наше движение вперёд по дороге жизни в удивительном приключении под названием жизнь.

Это наше саморазвитие. И мы с гордостью говорим себе «я рисую».

Мы обнаружим себя креативными и творческими людьми, и скажем себе любимому : «Я талантливый художник своей жизни». « Я гениальный художник».